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Branding archivos - DISEÑO LOW COST

Diferencia entre nombre de dominio, naming y marca

A algunos de vosotros os sonará familiar este título. Muchas veces a la hora de desarrollar una identidad visual, tenemos que lidiar con clientes inexpertos en lo que a comunicación de marca se refiere, normal, ¡los olmos no suelen dar peras!. A lo que iba, ya lo he comentado en otras ocasiones, un buen diseño de identidad visual siempre parte de un buen naming. Hoy, la diferencia entre nombre de dominio, naming y nombre comercial.

EL NOMBRE DE DOMINIO

Hay negocios que basan su modelo únicamente en la Red, es decir, operan a través de ésta. Eso quiere decir que su única presencia está en las .com ahora .es, .info, .eu, .net y un largo etc. Y sus dueños están tan orgullosos de sus marcas hasta el punto de querer insertar a toda costa dichas terminaciones en el imagotipo a crear. Una opción correcta pero no demasiado acertada gráficamente. Algunos ejemplos:

0_19457_1   940x330_logo_idealista   indice

Pero otros negocios no basan su modelo en la Red, es decir, no operan en ella, simplemente tienen una presencia online que por supuesto añade valor a su marca. Pero de repente llega un señor que quiere renovar su logotipo, porque además va a crear por fin una página web y te dice, -quiero que en el logotipo salga Asesoría Los Campos.com- ¿cómo?, no no, asesorialoscampos.com es un dominio señor Campos, no un naming. En este caso lo correcto sería crear un imagotipo o logotipo con «Los Campos», en la parte de abajo podemos agregar la palabra «Asesoría jurídica» o «Asesores jurídicos» o lo que sea para describir la actividad que se desempeña. Podemos ver este ejemplo en grandes marcas como «Mafre», que omite la palabra «Seguros» en el naming y por tanto en el logotipo.

EL NAMING

La palabra inglesa se traduce directamente en «nombrar», que en este caso se aplicaría a crear el nombre de una marca. El naming no debe tener terminación de dominio, descripción o slogan alguno; forma parte de la identidad de la marca y la diferencia del resto. Un buen naming es el comienzo para cualquier negocio de éxito. No me canso de explicarlo.

Un buen naming debe ser corto, no contener más de un artículo o pronombre en su construcción, fácil de recordar a nivel léxico, si es una palabra no debe contener más de tres sílabas, si son dos palabras éstas deben ser cortas. Pero quizá se entienda mejor con algunos ejemplos:

«Camper»     «Kellogg’s»      «Chupa Chups»

Estas marcas en su naming no han usado terminaciones como Camper Calzado, Kellogg’s Cereales o Chupa Chups Caramelos, y han usado este naming para construir efectivas marcas de identidad visual.

NOMBRE COMERCIAL O MARCA

Cuando se habla de nombre comercial (en inglés trademark), suele referirse registro legal que identifica de manera exclusiva a uno o varios productos comerciales o empresa de servicios. Una marca determina la identidad gráfica y operativa de un producto o servicio e incluye elementos gráfico-visuales propios que diferencian a dicha marca de sus competidores. Por lo tanto cuantos menos elementos tenga una marca más efectiva resultará a la hora de influir en la mente de los consumidores.

Explicado de otra forma, una buena marca no debe terne más de dos partes (logotipo e imagotipo), debe constar de un máximo de tres colores y no más de una tipografía. Así debe ser una marca, porque cuantos más elementos tenga su construcción, más difícil será de recordar para una mente humana cargada de información. Así que olvidaros de poner terminaciones, dominios, fotos o eslóganes a vuestras marcas, porque no va a funcionar. Aquí tres ejemplos de una buena construcción de marca, las tres partían de un buen naming, puedes sacar tus propias conclusiones al respecto. ¡Feliz martes!

Camper_shoes_Logo           Kellogg's logo 2012           Chupa-chups

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¿Cuál es el valor real de una efectiva Identidad Visual?

Ya he hablado en otras ocasiones del valor de la creatividad y de lo que en realidad cuesta crear un buen diseño. Todo proceso creativo tiene un trabajo y un camino que recorrer paso a paso. Ello incluye varias etapas, no sólo la creatividad, saber gestionar un proyecto o la comunicación con el cliente también forman parte de este proceso. Estas son las diferentes fases del proceso para crear una efectiva Identidad Visual:

1. Comunicación con el cliente:

El cliente te encuentra, tus tarifas y trabajos le parecen interesantes y se pone en contacto contigo, en esa conversación le explicas tu forma de trabajar, él te cuenta en qué consiste su idea y tú le pides un briefing del proyecto que te mandará por email o cualquier otra forma de envío online.

Tiempo estimado: 1h.

2. Estudio del briefing del cliente:

Toca estudiar el briefing; en qué consiste el proyecto, quiénes van a ser sus clientes y quién es su competencia. Este paso nos debería aclarar en principio todas las dudas que tengamos, aunque muchas veces los briefings estén incompletos y tengamos que llamar al cliente para que nos aclare algunos puntos.

Tiempo estimado: 1,5-2h.

3. Estudio de opciones:

Una vez nos hemos leído el briefing y sabemos en qué consiste su idea, deberemos estudiar al propio cliente, para ello debemos saber su presupuesto total para este proyecto y con ello presentarle diversas opciones según el mismo, es decir, debemos aconsejarle sobre lo que necesita e intentar ajustar el presupuesto a las diferentes opciones. No todos los clientes necesitan un manual, ni un isotipo, ni diferentes versiones del logotipo. Algunos te pedirán una ilustración, pero quizá ese trabajo más tedioso no entre dentro de su presupuesto, deberemos aconsejarle y darle otras alternativas.

Tiempo estimado: 1,5h.

4. Desarrollo de presupuesto:

Una vez tenemos todo lo anterior claro ya podemos elaborar un presupuesto personalizado. En él detallaremos todo el proceso creativo por partes, para que el cliente sepa lo que está pagando por cada cosa, es decir, no sólo presupuestaremos la parte creativa, sino que también incluiremos elementos como el estudio de mercado, envío de referencias, gestión con imprenta etc… De esa forma conseguiremos que el cliente entienda el precio final e incluso pueda ampliar o reducir servicios propuestos, por ejemplo, no todos los clientes desearán la gestión con la imprenta.

Tiempo estimado: 25 min.

5. Referencias:

Una vez estudiado el briefing, aceptado el presupuesto y hablado con el cliente para comenzar y fijar un timing, deberemos buscar referencias gráficas de algunas marcas y/o productos de la competencia, si en realidad lo que el cliente desea es diferenciarse de verdad, esto le servirá para mostrarle lo que no vamos a hacer, si por el contrario lo que el cliente busca es un estilo concreto, este paso será esencial para intentar entender al cliente y saber lo que busca realmente.

Tiempo estimado: 3h.

6. El concepto:

Ahora comenzaremos el proceso creativo. Una vez analizado hasta el último detalle del briefing del cliente y al propio cliente, crearemos un concepto en el que se basará el logotipo, para ello comenzaremos por estudiar el naming; no todos los nombres de empresa o marca son efectivos a la hora de realizar un logotipo, a veces tenemos que lidiar con el cliente porque nos pasa un naming para desarrollar la identidad corporativa de tres o cuatro palabras, debemos convencerle entonces de que un logotipo debe contener como mucho dos palabras, de esa manera el resultado creativo será mucho más efectivo y desde luego fácil de recordar para los clientes. Teniendo un buen naming y un concepto sobre el que empezar, tendremos gran parte del proceso creativo adelantado.

Tiempo estimado: 3h.

7. Tipografía:

No todas las tipografías funcionan igual visualmente, si hemos partido de un concepto deberemos tener claro la tipología de letra que escoger, por ejemplo, si el proyecto, marca o empresa es de base tecnológica deberemos escoger una tipo de palo seco, de grosor medio y unidad visual.

Una vez decidido el estilo, crearemos un archivo con las diversas tipografía que podemos usar y veremos cómo funciona cada una con el naming de la identidad corporativa a desarrollar. Es aconsejable que de toda nuestra elección le pasemos al cliente unas cinco opciones, no más, sobre las que más tarde aplicaremos la gama cromática elegida. Este es un trabajo tedioso, los diseñadores solemos tener instaladas miles de fuentes en nuestro ordenador, y pese a que muchas de ellas las conocemos, las solemos revisar una a una para hacer una buena recopilación. En páginas como Dafont podemos encontrar tipografías por estilos libres de derechos. Es importante que escojamos tipografías que sean susceptibles de perdurar en el tiempo sin que pasen de moda, es decir, hay ciertas tipografía que se consideran actuales pero que pueden quedar algo obsoletas en unos años. Debemos tener cuidado con esto.

Tiempo estimado: 4h.

8. Gama cromática:

A continuación crearemos una gama cromática, siempre partiendo del concepto, es decir, utilizaremos tonos suaves para un determinado proyecto y tonos más brillantes para otros. La gama cromática debe contener al menos 3 tonos, uno o dos para el propio logotipo y otro para los detalles: texto de reclamo, líneas, marcos etc…

Creada la gama cromática y aplicada a las cinco tipografías que hemos escogido, veremos cuál funciona mejor, aplicando los cambios que veamos oportunos. Es importante advertir en cada parte del proceso al cliente, que al final es el que va a tener la última palabra, de esa forma nos ahorraremos enseñarle un resultado final que tengamos que cambiar desde el principio.

Una buena herramienta para seleccionar gamas cromáticas es Colour Lovers. No obstante, aconsejamos tener una pantonera al lado para comprobar la correspondencia de los colores elegidos en CMYK, si más tarde tenemos que desarrollar material gráfico impreso.

Tiempo estimado: 2h.

9. Creación de un isotipo:

Esta es quizá la parte más difícil del proceso creativo de una identidad corporativa. Un imagotipo siempre partirá del concepto y a veces éste puede ser algo ambiguo, por ello partiendo del concepto deberemos crear un isotipo o símbolo representativo llevado a la máxima simplificación de la idea, y que además cuadre perfectamente con la tipo y gama cromática elegida. Es el proceso más largo y el que seguramente el cliente nos haga cambiar y/o modificar. Cuando se trata de un rediseño la cosa es más fácil, porque el cliente ya suele darte con su logo anterior el concepto y la idea, pero si nos toca partir de cero deberemos conocer muy bien los gustos del cliente para poder acertar.

Tiempo estimado: 10-12h.

10. Composición final:

Una vez aprobados por el cliente, tipografía, gama cromática e isotipo, deberemos crear varias combinaciones finales que presentaremos al cliente para que elija una de ellas, el número correcto serían tres, una primera composición más clásica, más conservadora para no arriesgar, una segunda opción con lo que creemos que el cliente busca en realidad y una tercera con algo más rompedor, más arriesgado, algo que nosotros consideremos una verdadera diferenciación.

Tiempo estimado: 2h.

11. Focus group:

En ocasiones tanto el cliente como nosotros mismos estamos viciados ante la identidad que estamos creando, nuestro cerebro se ha acostumbrado a ver cada una de las partes, pero quizá nos falte una visón global externa que nos aconseje cuál es la mejor opción. Nosotros solemos escoger a gente cercana y creamos un focus group donde les pedimos que opinen sobre cada una de las opciones, al fin y al cabo son una pequeña representación del consumidor final, es a ellos a los que la marca les debe generar confianza. Es un proceso realmente efectivo. Podemos hacerlo vía mail y pedirles que nos den su opinión sobre diferentes cuestiones, lo ideal es hacer un focus group online con unas diez personas, ello será suficiente para sacar una conclusión clara, que muchas veces está en contra de lo que el cliente o nosotros mismos opinamos.

Tiempo estimado: 2h.

12. Aplicaciones:

Una vez escogida la composición final pasaremos a realizar las composiciones para los diferentes soportes, hoy en día con los numerosos proyectos online que se desarrollan, todos los clientes requieren de una aplicación del logotipo en formato cuadrado, ya hemos hablado en otro post del impacto de un logotipo en social media. Si hemos creado un imagotipo a raíz de un naming algo extenso, lo más normal es que realicemos una reducción del mismo para aplicar en redes sociales tipo Facebook o Pinterest, esto se podría hacer utilizando las iniciales de cada palabra que componen el logotipo. Otra opción es que usemos el isotipo como reducción para que el símbolo tenga visibilidad absoluta.

Tiempo estimado: 3h.

Con estos doce pasos habremos acabado el desarrollo de una identidad corporativa. Un efectivo logotipo nos puede costar hacer alrededor de unas 40 horas. Eso es una semana entera de jornada laboral, ¿se plantean esto los clientes a la hora de aceptar un presupuesto?. Y, es verdad, que no todos los clientes son igual de exigentes, están esos que saben lo que quieren, y están esos que parten de la nada y que ni si quiera tiene referencias. Los primeros nos harán más fácil el trabajo, los segundos nos conducirán a realizar diferentes cambios en todos los procesos del diseño, pero está claro que mostrándoles cada parte del proceso creativo podrán hacerse una idea de lo complicado que puede llegar a obtener una buena identidad corporativa.

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Tendencia lettering en la historia del rock

Allá por los 60 cuando el software de edición brillaba por su ausencia, los artistas gráficos aplicaban en identidad visual lo que hoy en día es otra vez una moda, el popular lettering. Letras dibujadas a mano que hoy asociamos con un estilo vintage, y que muchos músicos han utilizado como sello de identidad.

Cuando a finales de los 60 la psicodelia empezaba a transformarse en otros géneros, grupos de pop rock americanos como Chicago o Carpenters diferenciaban su música, no sólo a través de su vestuario o puesta en escena, sino que en sus logotipos utilizaron un distintivo estilo más pop, mediante la técnica lettering.

Con los 70 llegó el apogeo de un rock bastante más duro, y bandas como The Allman Brothers, aplicaron tipografías dibujadas a mano con un lettering algo más radical, letras que acababan en afiladas puntas como los afilados sonidos de sus guitarras eléctricas.

En los años 80 bandas de punk rock como los excéntricos New York Dolls, también usaron la técnica del lettering. Una época en la que un estilo de música generó un estilo de vida, y en consecuencia un gran número de esos logotipos se vieron impresos en camisetas que los jóvenes llevaban con bastante orgullo por pertenecer a un movimiento de tal índole.

Fue la época en la que comenzó el merchandising musical, y las bandas y discográficas con un espíritu ya no tan punk, empezaron a darse cuenta del potencial y en consecuencia a ver cómo se llenaban sus bolsillos.

A finales de los 90 el rock más radical empezó a decaer y emergieron de nuevo otros estilos más suaves como el folk rock, el country rock o el indie rock, y cantantes solitarios como Wilco y Jack Johnson, utilizaron para su identidad visual un lettering más parecido al de sus antecesores pop, aunque con un estilo y una técnica bastante más cuidados.

A principios del s.XXI, con el género indie en pleno auge, se puede observar el avance de la edición tipográfica y el diseño vectorial, con reconocibles logotipos como el de los ingleses The Darkness y The Long Blondes o los americanos Panic! At the Disco y Real Estate. La misma técnica han usado músicos nacionales como Pereza o Jero Romero, éste último obra del artista Alberto Romero, que diseñó para la portada de su primer disco Cabeza de León.

Tendencia «isotipo» en la historia del Rock

Este post es el comienzo de una retrospectiva que analizará las tendencias utilizadas en identidad visual a través de la historia del rock y sus subgéneros desde la década de los 60 hasta hoy. Hoy, isotipos que se han convertido en iconos, y que sin estar acompañados de un naming son más que reconocibles.

1964 ROLLING STONES (UK)

Seguramente el artista gráfico John Pasche, no tenía ni idea de la trascendencia que su lengua tendría en el universo del rock y sus descendientes directos. La hemos visto durante casi seis décadas en revistas, textil, posters, tazas y todo tipo de objetos comerciales. El isotipo de los Rolling Stones es un icono del rock, un hito y un inconfundible símbolo que no se ha modificado desde su creación, una atemporalidad que le confiere un estilo gráfico propio. Los demás lo intentaron, pero nunca con tal éxito.

1966 FRANK ZAPPA (USA)

Muchos músicos venidos del mundo del arte han optado por ser creadores de su obra gráfica. Pasó en los 60 y sigue pasando hoy en día. El mítico y multidisciplinar Frank Zappa utilizó durante toda su carrera un isotipo que representaba a su peculiar bigote y que sin un naming que lo acompañe es totalmente reconocible para fans y no tan fans de su rock experimental.

1978 VAN HALEN (USA)

En una década donde la psicodelia influenciaba a la música y al arte, con sus formas redondas y colores estridentes, el diseñador Dave Bhang creó el famoso isotipo para el hard-rockero Van Halen, utilizando líneas rectas de palo seco, aportando atemporalidad al conjunto gráfico, que a día de hoy podría utilizarse en estilos como el indie electrónico, el art rock o el britpop.

1979 MADNESS (UK)

El isotipo de uno de los grupos precursores del género ska, fue diseñado por el reconocido artista Barney Bubbles. Cierto es que la construcción tiene connotaciones anglosajonas, ya que no es el único grupo musical de Reino Unido que utiliza una corona como parte de su imagotipo. Y aunque quizá sea un símbolo menos reconocido que los anteriores, también se ha visto reproducido en camisetas y sudaderas a lo largo de varias décadas.

1982 HÜSKER DÜ (USA)

En 1980, antes del lanzamiento de su primer disco Everything Falls Apart, uno de los miembros del grupo diseñó el naming de la banda para un concierto, en helvetica y sin isotipo. Un poco más tarde introdujo el símbolo que se convertiría en icono del hardcore temprano, y que a día de hoy se ha impreso en camisetas millones de veces.

1992 WEEZER (USA)

En pleno apogeo del grunge americano Patrick Wilson, batería de la banda, diseña este futurista logotipo que muchos han calificado como una copia del diseño de Bhang para Van halen. Sea como fuere el isotipo de Weezer ha perdurado hasta hoy sin modificar nada de su diseño.

1995 RAMMSTEIN (Alemania)

Mientras los grupos de heavy metal y sus subgéneros se dedicaban a representar su imagen mediante tipografías puntiagudas a modo lettering, los alemanes Rammstein se diferenciaron encargando su logotipo al artista Dirk Rudolph, apostando por un imponente isotipo que reduce a dos letras el naming del grupo.

1996 RADIOHEAD (UK)

El famoso isotipo llamado «Death bear» de Radiohead fue diseñado por Stanley «Dan Rickwood» en el año 2000. Su simetría y proporciones han permitido que este diseño sea fácilmente aplicable a cualquier formato, ya sea impreso o industrial, una norma que debería seguir cualquier diseño basado en isotipo.

1998 QUEEN OF THE STONE AGE (USA)

Otro isotipo más para la colección de iconos del rock. La banda ideo el símbolo de un espermatozoide entrando en un óvulo, lo que construye una «Q», inicial del naming de la banda. El diseño ha sido modificado gráficamente, pero la esencia del concepto no ha cambiado en dos décadas.

1999 THE WHITE STRIPES (USA)

Seven Nation Army se ha convertido en un hito que cualquier persona ha escuchado y bailado en sus diferentes versiones. El bajo y la batería marcaron el primer estilo dance en un grupo de garage y blues rock. Así de innovadora fue su música y no menos innovador fue su isotipo, que con cierto toque psicodélico mantiene una simetría absoluta dentro de una composición realizada por un evidente editor profesional de imagen. Lo que representa la excéntrica personalidad de este duo de Detroit.

2004 SCISSOR SISTERS (USA)

Diseñado por el guitarrista de la banda ‘Scott «Babydaddy» Hoffman en 2001, este icono de principios del s.XXI se ideó tan sólo un día después de ponerle nombre a la banda. Es la evidencia de que un buen naming facilita el desarrollo de un buen diseño, un isotipo que sea reconocible y perdure en las mentes de la gente sin un logotipo que lo acompañe.

2012 ALT-J (UK)

Un isotipo de la nueva era, no sabemos si se convertirá en icono, pero con tan sólo cuatro años de vida, Alt-J ya ha conseguido utilizar su diseño en diferentes soportes que lo hacen reconocible, a pesar de su sencillez y elegancia inglesa, todo un ejemplo de menos es más en identidad visual.

Misceláneas

La unión de disciplinas artísticas siempre ha supuesto un buen resultado visual, composiciones que albergan estéticas influenciadas por el carácter multidisciplinar del creador de la obra.

Es el caso del proyecto tipográfico-fotográfico del diseñador Londinense Gokhun Guneyhan, que ha posicionado su marca personal como artista gráfico con un atractivo proyecto que mezcla imagen real en pixel con cuidadas tipografías, representando ciudades entre las que se encuentran Barcelona y Madrid, y un proyecto que se ha hecho altamente viral en Social Media, todo un ejemplo a seguir en posicionamiento de personal branding.

AMSTERDAM BELGICA BORDEAUX LUMIERE PRAGA VALENCIA

Mi abuela ya conoce Pantone®

Cualquier diseñador gráfico sabe perfectamente qué es PANTONE©, pero para los demás un poco de historia. Pantone es casi el padre del color, se ha configurado como la autoridad de renombre mundial en lo que respecta al color. En definitiva y durante casi 50 años, Pantone ha sido la inspiración para los profesionales del diseño.

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En 1963, Lawrence Herbert, el fundador de Pantone, creó un innovador sistema para resolver los problemas asociados a la producción de muestras precisas en la comunidad de las artes gráficas. La idea de Herbert para crear un sistema estándar de color se basó en que, cada individuo interpretaba el espectro de colores de manera diferente, por ello PANTONE MATCHING SYSTEM©, fue la solución que Herbert aportó al problema, un libro de colores normalizado en formato ventilador.

Pantone ha expandido su normativa del color a otras industrias como la tecnología digital, la moda, el hogar, productos plásticos, la arquitectura, la pintura y el interiorismo. Hoy en día, el nombre de PANTONE es conocido mundialmente como el lenguaje estándar para la comunicación precisa del color, desde el propio diseñador, pasando por el fabricante, al minorista y a los clientes, todos conocen la marca PANTONE.

La marca ha creado incluso un Instituto, El Pantone Color Institute, un centro de investigación del color que comparte sus experiencias con profesionales de una gran variedad de industrias, incluyendo la moda, el sector industrial, la arquitectura y el interiorismo, las artes gráficas, la publicidad, el cine o la educación. Reconocido en todo el mundo como la principal fuente de información de color, el Instituto es un efectivo recurso para los medios de comunicación más influyentes del mundo. A través de este centro, Pantone estudia cómo los procesos de color influencian al pensamiento humano, a las emociones y a las reacciones físicas, un compromiso real con los profesionales a los que proporciona una mayor comprensión del color ayudándoles a utilizar el color de manera más efectiva. Leatrice Eiseman,  principal experta en el color en los Estados Unidos, es la directora ejecutiva de Pantone Color Institute .

Pero la marca ha ido un paso más allá, ha querido llegar a los usuarios de a pie y ha creado PANTONE UNIVERSE, una colección de productos de estilo de vida basado en las tendencias de color de moda. Pantone vende artículos de papelería, equipo de viaje, accesorios, ropa e incluso cafeteras, combinando diseños atemporales y materiales modernos con colores PANTONE de moda. Ha sido un gran ejemplo de ampliación de mercado. Os dejamos algunas imágenes.

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Ariel, una marca hecha por y para amas de casa

Siguiendo con el análisis de Marcas vs marcas blancas, hemos escogido esta vez una renombrada marca de detergente perteneciente a la legendaria multinacional de marcas líder P&G. Una marca hecha por y para amas de casa que, en ocasiones ha creado controversias mediante polémicos anuncios que nada tienen que ver con los principios iniciales proyectados por la empresa Procter & Gamble.

 

 Ariel, controversias publicitarias

Pero antes de embarcarnos en el análisis de la gráfica publicitaria de la marca, haremos una pequeña introspección a la evolución de su identidad corporativa. Ariel, aparece por primera vez en el mercado Inglés en el año 1967, a raíz de la creciente popularidad que adquieren las lavadoras en la mayoría de los hogares de todo el mundo. Su logotipo se imprimió durante algunos años en el icónico tambor de cartón de 3kg hasta adaptarse a los innovadores envases que Ariel ha ido lanzando al mercado.

Una logotipo atemporal

La tipografía roja de palo seco en mayúscula se ha mantenido casi intacta a lo largo de los años, resaltando siempre la letra “A” inicial en un tamaño algo superior al resto. Dichas características transmiten a la identidad de Ariel gran fortaleza y solidez; el cambio más significativo se advierte en la última modificación con el redondeo de la tipografía, que la moderniza a la vez que sintoniza con el imagotipo de las elipses entrecruzadas típico en todos sus productos.

En definitiva, la marca ha conseguido crear un logotipo atemporal que se ha mantenido durante toda su historia en sus diferentes productos. El conjunto visual resulta bastante insinuante en cuanto a las propiedades que el detergente representa y vende y el logotipo se ha ido integrando y modernizando a medida que su reclamo ha ido cambiando. Podemos observar un logo estable, plano, que mantiene la forma de la estrella de elipses con un núcleo formado por burbujas, transmitiendo sensación de limpieza absoluta. Un acierto de Ariel y factor que en adelante le diferenciará del resto de detergentes en el mercado y de sus competidores ahora más fuertes, las marcas blancas, aunque muchos de ellos hayan hecho intento de similitud con la marca líder copiando el rojo característico de sus letras e incluso las reconocidas elipses de color.

Una cuidada transformación publicitaria

A diferencia de otras marcas, Ariel ha invertido gran parte de sus beneficios en publicidad offline, tanto impresa como audiovisual. Aunque su mensaje inicial enfocado directamente a las amas de casa haya cambiado considerablemente en estos últimos años.

En 1977 Ariel lanzó una primera campaña televisiva que se convirtió en un icono entre las consumidoras: el “Chaca-Chaca”. Esta campaña resaltaba las cualidades del detergente, mostrando en el anuncio el tambor en movimiento de una lavadora automática que dejaba tiempo libre a las amas de casa. Esta campaña duró más de 20 años.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=maQACtqqCJs?rel=0&w=640&h=480]

En 2004, la campaña de publicidad de Ariel Automática consiguió el Gran Premio a la Eficacia Publicitaria por «haber realizado en su comunicación un giro hacia la emoción», según el jurado.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=Vp6LYpBW5qM?rel=0&w=640&h=480]

Comenzaba aquí una cuidada y actualizada imagen de la marca en los medios audiovisuales generalistas, donde además el hombre comienza a ganar influencia en este tipo de productos y Ariel muestra un ejemplo de ello en una de sus campañas.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=LwcxuioGPr0?rel=0&w=640&h=480]

El marketing social de Ariel

Desde su fundación en 1837, la mentalidad progresista de la marca se convirtió en el sello distintivo de Procter & Gamble. Ya en 1960, redujeron considerablemente el uso de fosfatos en sus productos  para frenar la creciente contaminación del agua. Además, Ariel ha formado parte de diversos programas solidarios como “Vivir, Aprender, Crecer”, un programa con el que la marca se comprometía a mejorar la situación de miles de niños en todo el mundo en beneficio su salud y educación.

Procter & Gamble España a través de Ariel, se unió además a UNICEF apoyando a los derechos de la infancia a través de su campaña “Cada gota cuenta”, colaborando económicamente con el proyecto WASH (Agua, Saneamiento e Higiene), que UNICEF llevaba a cabo en Haití  para sensibilizar a la sociedad sobre la importancia de ahorrar agua, contribuyendo así a mejorar la salud y condiciones de vida de los niños y niñas más desfavorecidos, y difundiendo el uso del detergente concentrado con la filosofía de “menos es más”.

A partir de ahí comenzaría una etapa de alta responsabilidad social para la marca, que conseguiría un importante valor añadido con una óptima reputación de sus productos y en consecuencia altos beneficios económicos.

“el marketing social es un proceso a través del cual la empresa adopta sus decisiones de marketing con un triple objetivo: su interés empresarial, la satisfacción del consumidor y el bienestar a largo plazo de éste y de la sociedad en su conjunto.” (Philip Kotler)

Desde septiembre del año 2005 la agencia Saatchi & Saatchi en Madrid ha asumido la responsabilidad estratégica de Ariel en varios mercados. A mano de esta agencia de publicidad aparecen nuevas campañas publicitarias unidas al concepto social. Con “Juntos por un mañana impecable”, logró reunir más de 6.000 mil prendas de ropa para los niños de «Aldeas infantiles SOS».

Saatchi & Saatchi crea diversas campañas publicitarias con una cuidada gráfica, que se centra en el mensaje mismo dejando a un lado a la figura del consumidor y del producto en sí.

Interacción directa con el consumidor

Saatchi & Saatchi creó para la marca una innovadora campaña publicitaria, utilizando su página de Facebook para hacer partícipe al público, consiguiendo con ello cerca de 185.000 seguidores de todo el mundo. En la campaña se instaló durante una semana una caja de cristal en la sala de espera de la Estación Central de Estocolmo, donde los transeúntes podían ver la ropa colgada en un tendedero giratorio para ensuciarla. Su funcionamiento era el de iniciar sesión en la aplicación de Facebook de la página de Ariel para mediante un control remoto disparar en tiempo real a la ropa del tendedero con una pistola cargada de salsa de tomate, chocolate o mermelada de arándano rojo. El usuario que conseguía manchar la ropa que giraba tendida ganaba dicha prenda, que Ariel le mandaba por correo después de lavarla con uno de sus productos estrella.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=ly5cdIRzYD4?rel=0&w=853&h=480]

Ariel se ha hecho un hueco importante en los medios sociales, con un Canal en Youtube muy actualizado, una Fanpage altamente participativa y un perfil de Twitter con más de 25.000 seguidores (@ArielDetergente).

Pero no todo han sido éxitos en su estrategia digital, en el año 2010, de la mano de la agencia brasileña Ponto de Criaçao, la marca lanzó una polémica campaña en forma de Banner, utilizando la imagen de George Bush y Hitler, que a través del detergente limpiaban su imagen para acabar convirtiéndose en Gandhi y Chaplin respectivamente. Una apuesta arriesgada para las asociaciones de publicidad.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=HPx_C2P7pyA?rel=0&w=853&h=480]

Sin duda aquel tambor de Ariel inicial ha dado muchas vueltas en las lavadoras de las amas de casa de todo el mundo.