¡Qué tipos, qué todo!

Las tendencias existen, y a pesar de frecuentar un mundo de creatividad ecléctica, la publicidad impresa tiene estilos marcados por dos tendencias muy claras, una es la del mensaje conceptual de imagen única de impacto, y el otro el arte digital y la perfección de montajes digitales con tipografía y diseño todo en uno. He aquí un ejemplo. ¡Feliz miércoles!.

Diferencia entre nombre de dominio, naming y marca

A algunos de vosotros os sonará familiar este título. Muchas veces a la hora de desarrollar una identidad visual, tenemos que lidiar con clientes inexpertos en lo que a comunicación de marca se refiere, normal, ¡los olmos no suelen dar peras!. A lo que iba, ya lo he comentado en otras ocasiones, un buen diseño de identidad visual siempre parte de un buen naming. Hoy, la diferencia entre nombre de dominio, naming y nombre comercial.

EL NOMBRE DE DOMINIO

Hay negocios que basan su modelo únicamente en la Red, es decir, operan a través de ésta. Eso quiere decir que su única presencia está en las .com ahora .es, .info, .eu, .net y un largo etc. Y sus dueños están tan orgullosos de sus marcas hasta el punto de querer insertar a toda costa dichas terminaciones en el imagotipo a crear. Una opción correcta pero no demasiado acertada gráficamente. Algunos ejemplos:

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Pero otros negocios no basan su modelo en la Red, es decir, no operan en ella, simplemente tienen una presencia online que por supuesto añade valor a su marca. Pero de repente llega un señor que quiere renovar su logotipo, porque además va a crear por fin una página web y te dice, -quiero que en el logotipo salga Asesoría Los Campos.com- ¿cómo?, no no, asesorialoscampos.com es un dominio señor Campos, no un naming. En este caso lo correcto sería crear un imagotipo o logotipo con «Los Campos», en la parte de abajo podemos agregar la palabra «Asesoría jurídica» o «Asesores jurídicos» o lo que sea para describir la actividad que se desempeña. Podemos ver este ejemplo en grandes marcas como «Mafre», que omite la palabra «Seguros» en el naming y por tanto en el logotipo.

EL NAMING

La palabra inglesa se traduce directamente en «nombrar», que en este caso se aplicaría a crear el nombre de una marca. El naming no debe tener terminación de dominio, descripción o slogan alguno; forma parte de la identidad de la marca y la diferencia del resto. Un buen naming es el comienzo para cualquier negocio de éxito. No me canso de explicarlo.

Un buen naming debe ser corto, no contener más de un artículo o pronombre en su construcción, fácil de recordar a nivel léxico, si es una palabra no debe contener más de tres sílabas, si son dos palabras éstas deben ser cortas. Pero quizá se entienda mejor con algunos ejemplos:

«Camper»     «Kellogg’s»      «Chupa Chups»

Estas marcas en su naming no han usado terminaciones como Camper Calzado, Kellogg’s Cereales o Chupa Chups Caramelos, y han usado este naming para construir efectivas marcas de identidad visual.

NOMBRE COMERCIAL O MARCA

Cuando se habla de nombre comercial (en inglés trademark), suele referirse registro legal que identifica de manera exclusiva a uno o varios productos comerciales o empresa de servicios. Una marca determina la identidad gráfica y operativa de un producto o servicio e incluye elementos gráfico-visuales propios que diferencian a dicha marca de sus competidores. Por lo tanto cuantos menos elementos tenga una marca más efectiva resultará a la hora de influir en la mente de los consumidores.

Explicado de otra forma, una buena marca no debe terne más de dos partes (logotipo e imagotipo), debe constar de un máximo de tres colores y no más de una tipografía. Así debe ser una marca, porque cuantos más elementos tenga su construcción, más difícil será de recordar para una mente humana cargada de información. Así que olvidaros de poner terminaciones, dominios, fotos o eslóganes a vuestras marcas, porque no va a funcionar. Aquí tres ejemplos de una buena construcción de marca, las tres partían de un buen naming, puedes sacar tus propias conclusiones al respecto. ¡Feliz martes!

Camper_shoes_Logo           Kellogg's logo 2012           Chupa-chups

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No lo llenes tanto, a ver si se va a derramar

¿Debería existir la asignatura Menos es más en los estudios sobre creatividad?. Opino rotundamente que sí. En cualquier disciplina, diseño gráfico, publicidad, diseño industrial, arquitectura…

De eso trata este texto, de reivindicar el espacio, de dejar claro que no por tener un A4 o una pantalla de 1024px hay que llenar hasta el último hueco. Ojalá se pudiera trasladar esta teoría a muchos clientes, ya sabes de lo que hablamos.

En creatividad publicitaria a menudo se tiende a llenar todo el espacio, el por qué, porque para alguien que paga el papel es impensable dejar «huecos», y es así; a menudo lidiamos con clientes que sin tener ni pajolera idea de normas gráficas se ofrecen voluntarios en la dirección artística. El resultado un acabado visual totalmente absurdo, confuso y por qué no, muy deficiente.

Os dejamos algunos ejemplo de lo que SÍ es correcto hacer. Creaciones publicitarias para comercio, cine o eventos que cumplen con el «menos es más» a rajatabla. ¿A qué no echáis de menos nada?. Yo tampoco. ; )

¿Cuál es el valor real de una efectiva Identidad Visual?

Ya he hablado en otras ocasiones del valor de la creatividad y de lo que en realidad cuesta crear un buen diseño. Todo proceso creativo tiene un trabajo y un camino que recorrer paso a paso. Ello incluye varias etapas, no sólo la creatividad, saber gestionar un proyecto o la comunicación con el cliente también forman parte de este proceso. Estas son las diferentes fases del proceso para crear una efectiva Identidad Visual:

1. Comunicación con el cliente:

El cliente te encuentra, tus tarifas y trabajos le parecen interesantes y se pone en contacto contigo, en esa conversación le explicas tu forma de trabajar, él te cuenta en qué consiste su idea y tú le pides un briefing del proyecto que te mandará por email o cualquier otra forma de envío online.

Tiempo estimado: 1h.

2. Estudio del briefing del cliente:

Toca estudiar el briefing; en qué consiste el proyecto, quiénes van a ser sus clientes y quién es su competencia. Este paso nos debería aclarar en principio todas las dudas que tengamos, aunque muchas veces los briefings estén incompletos y tengamos que llamar al cliente para que nos aclare algunos puntos.

Tiempo estimado: 1,5-2h.

3. Estudio de opciones:

Una vez nos hemos leído el briefing y sabemos en qué consiste su idea, deberemos estudiar al propio cliente, para ello debemos saber su presupuesto total para este proyecto y con ello presentarle diversas opciones según el mismo, es decir, debemos aconsejarle sobre lo que necesita e intentar ajustar el presupuesto a las diferentes opciones. No todos los clientes necesitan un manual, ni un isotipo, ni diferentes versiones del logotipo. Algunos te pedirán una ilustración, pero quizá ese trabajo más tedioso no entre dentro de su presupuesto, deberemos aconsejarle y darle otras alternativas.

Tiempo estimado: 1,5h.

4. Desarrollo de presupuesto:

Una vez tenemos todo lo anterior claro ya podemos elaborar un presupuesto personalizado. En él detallaremos todo el proceso creativo por partes, para que el cliente sepa lo que está pagando por cada cosa, es decir, no sólo presupuestaremos la parte creativa, sino que también incluiremos elementos como el estudio de mercado, envío de referencias, gestión con imprenta etc… De esa forma conseguiremos que el cliente entienda el precio final e incluso pueda ampliar o reducir servicios propuestos, por ejemplo, no todos los clientes desearán la gestión con la imprenta.

Tiempo estimado: 25 min.

5. Referencias:

Una vez estudiado el briefing, aceptado el presupuesto y hablado con el cliente para comenzar y fijar un timing, deberemos buscar referencias gráficas de algunas marcas y/o productos de la competencia, si en realidad lo que el cliente desea es diferenciarse de verdad, esto le servirá para mostrarle lo que no vamos a hacer, si por el contrario lo que el cliente busca es un estilo concreto, este paso será esencial para intentar entender al cliente y saber lo que busca realmente.

Tiempo estimado: 3h.

6. El concepto:

Ahora comenzaremos el proceso creativo. Una vez analizado hasta el último detalle del briefing del cliente y al propio cliente, crearemos un concepto en el que se basará el logotipo, para ello comenzaremos por estudiar el naming; no todos los nombres de empresa o marca son efectivos a la hora de realizar un logotipo, a veces tenemos que lidiar con el cliente porque nos pasa un naming para desarrollar la identidad corporativa de tres o cuatro palabras, debemos convencerle entonces de que un logotipo debe contener como mucho dos palabras, de esa manera el resultado creativo será mucho más efectivo y desde luego fácil de recordar para los clientes. Teniendo un buen naming y un concepto sobre el que empezar, tendremos gran parte del proceso creativo adelantado.

Tiempo estimado: 3h.

7. Tipografía:

No todas las tipografías funcionan igual visualmente, si hemos partido de un concepto deberemos tener claro la tipología de letra que escoger, por ejemplo, si el proyecto, marca o empresa es de base tecnológica deberemos escoger una tipo de palo seco, de grosor medio y unidad visual.

Una vez decidido el estilo, crearemos un archivo con las diversas tipografía que podemos usar y veremos cómo funciona cada una con el naming de la identidad corporativa a desarrollar. Es aconsejable que de toda nuestra elección le pasemos al cliente unas cinco opciones, no más, sobre las que más tarde aplicaremos la gama cromática elegida. Este es un trabajo tedioso, los diseñadores solemos tener instaladas miles de fuentes en nuestro ordenador, y pese a que muchas de ellas las conocemos, las solemos revisar una a una para hacer una buena recopilación. En páginas como Dafont podemos encontrar tipografías por estilos libres de derechos. Es importante que escojamos tipografías que sean susceptibles de perdurar en el tiempo sin que pasen de moda, es decir, hay ciertas tipografía que se consideran actuales pero que pueden quedar algo obsoletas en unos años. Debemos tener cuidado con esto.

Tiempo estimado: 4h.

8. Gama cromática:

A continuación crearemos una gama cromática, siempre partiendo del concepto, es decir, utilizaremos tonos suaves para un determinado proyecto y tonos más brillantes para otros. La gama cromática debe contener al menos 3 tonos, uno o dos para el propio logotipo y otro para los detalles: texto de reclamo, líneas, marcos etc…

Creada la gama cromática y aplicada a las cinco tipografías que hemos escogido, veremos cuál funciona mejor, aplicando los cambios que veamos oportunos. Es importante advertir en cada parte del proceso al cliente, que al final es el que va a tener la última palabra, de esa forma nos ahorraremos enseñarle un resultado final que tengamos que cambiar desde el principio.

Una buena herramienta para seleccionar gamas cromáticas es Colour Lovers. No obstante, aconsejamos tener una pantonera al lado para comprobar la correspondencia de los colores elegidos en CMYK, si más tarde tenemos que desarrollar material gráfico impreso.

Tiempo estimado: 2h.

9. Creación de un isotipo:

Esta es quizá la parte más difícil del proceso creativo de una identidad corporativa. Un imagotipo siempre partirá del concepto y a veces éste puede ser algo ambiguo, por ello partiendo del concepto deberemos crear un isotipo o símbolo representativo llevado a la máxima simplificación de la idea, y que además cuadre perfectamente con la tipo y gama cromática elegida. Es el proceso más largo y el que seguramente el cliente nos haga cambiar y/o modificar. Cuando se trata de un rediseño la cosa es más fácil, porque el cliente ya suele darte con su logo anterior el concepto y la idea, pero si nos toca partir de cero deberemos conocer muy bien los gustos del cliente para poder acertar.

Tiempo estimado: 10-12h.

10. Composición final:

Una vez aprobados por el cliente, tipografía, gama cromática e isotipo, deberemos crear varias combinaciones finales que presentaremos al cliente para que elija una de ellas, el número correcto serían tres, una primera composición más clásica, más conservadora para no arriesgar, una segunda opción con lo que creemos que el cliente busca en realidad y una tercera con algo más rompedor, más arriesgado, algo que nosotros consideremos una verdadera diferenciación.

Tiempo estimado: 2h.

11. Focus group:

En ocasiones tanto el cliente como nosotros mismos estamos viciados ante la identidad que estamos creando, nuestro cerebro se ha acostumbrado a ver cada una de las partes, pero quizá nos falte una visón global externa que nos aconseje cuál es la mejor opción. Nosotros solemos escoger a gente cercana y creamos un focus group donde les pedimos que opinen sobre cada una de las opciones, al fin y al cabo son una pequeña representación del consumidor final, es a ellos a los que la marca les debe generar confianza. Es un proceso realmente efectivo. Podemos hacerlo vía mail y pedirles que nos den su opinión sobre diferentes cuestiones, lo ideal es hacer un focus group online con unas diez personas, ello será suficiente para sacar una conclusión clara, que muchas veces está en contra de lo que el cliente o nosotros mismos opinamos.

Tiempo estimado: 2h.

12. Aplicaciones:

Una vez escogida la composición final pasaremos a realizar las composiciones para los diferentes soportes, hoy en día con los numerosos proyectos online que se desarrollan, todos los clientes requieren de una aplicación del logotipo en formato cuadrado, ya hemos hablado en otro post del impacto de un logotipo en social media. Si hemos creado un imagotipo a raíz de un naming algo extenso, lo más normal es que realicemos una reducción del mismo para aplicar en redes sociales tipo Facebook o Pinterest, esto se podría hacer utilizando las iniciales de cada palabra que componen el logotipo. Otra opción es que usemos el isotipo como reducción para que el símbolo tenga visibilidad absoluta.

Tiempo estimado: 3h.

Con estos doce pasos habremos acabado el desarrollo de una identidad corporativa. Un efectivo logotipo nos puede costar hacer alrededor de unas 40 horas. Eso es una semana entera de jornada laboral, ¿se plantean esto los clientes a la hora de aceptar un presupuesto?. Y, es verdad, que no todos los clientes son igual de exigentes, están esos que saben lo que quieren, y están esos que parten de la nada y que ni si quiera tiene referencias. Los primeros nos harán más fácil el trabajo, los segundos nos conducirán a realizar diferentes cambios en todos los procesos del diseño, pero está claro que mostrándoles cada parte del proceso creativo podrán hacerse una idea de lo complicado que puede llegar a obtener una buena identidad corporativa.

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Tendencia lettering en la historia del rock

Allá por los 60 cuando el software de edición brillaba por su ausencia, los artistas gráficos aplicaban en identidad visual lo que hoy en día es otra vez una moda, el popular lettering. Letras dibujadas a mano que hoy asociamos con un estilo vintage, y que muchos músicos han utilizado como sello de identidad.

Cuando a finales de los 60 la psicodelia empezaba a transformarse en otros géneros, grupos de pop rock americanos como Chicago o Carpenters diferenciaban su música, no sólo a través de su vestuario o puesta en escena, sino que en sus logotipos utilizaron un distintivo estilo más pop, mediante la técnica lettering.

Con los 70 llegó el apogeo de un rock bastante más duro, y bandas como The Allman Brothers, aplicaron tipografías dibujadas a mano con un lettering algo más radical, letras que acababan en afiladas puntas como los afilados sonidos de sus guitarras eléctricas.

En los años 80 bandas de punk rock como los excéntricos New York Dolls, también usaron la técnica del lettering. Una época en la que un estilo de música generó un estilo de vida, y en consecuencia un gran número de esos logotipos se vieron impresos en camisetas que los jóvenes llevaban con bastante orgullo por pertenecer a un movimiento de tal índole.

Fue la época en la que comenzó el merchandising musical, y las bandas y discográficas con un espíritu ya no tan punk, empezaron a darse cuenta del potencial y en consecuencia a ver cómo se llenaban sus bolsillos.

A finales de los 90 el rock más radical empezó a decaer y emergieron de nuevo otros estilos más suaves como el folk rock, el country rock o el indie rock, y cantantes solitarios como Wilco y Jack Johnson, utilizaron para su identidad visual un lettering más parecido al de sus antecesores pop, aunque con un estilo y una técnica bastante más cuidados.

A principios del s.XXI, con el género indie en pleno auge, se puede observar el avance de la edición tipográfica y el diseño vectorial, con reconocibles logotipos como el de los ingleses The Darkness y The Long Blondes o los americanos Panic! At the Disco y Real Estate. La misma técnica han usado músicos nacionales como Pereza o Jero Romero, éste último obra del artista Alberto Romero, que diseñó para la portada de su primer disco Cabeza de León.

Packaging espirituoso

Parece que cuando nos tomamos una copa sólo nos interesa el contenido de la botella, bien sea un buen vino, una cerveza o un licor, pero realmente hay un universo de packaging creativo que incluso permite que el contenido sepa mejor.

Diseños donde los protagonistas son a menudo, las ilustraciones, la tipografía, las tintas especiales, los troqueles e incluso las manualidades. Aquí unas cuantas muestras de envasados espirituosos. ¡Chin-chin!

La fotografía arquitectónica de Maik Lipp

Menos es más siempre y, cuando un artista hace uso de este concepto uniendo fotografía y arquitecura el resultado puede ser espectacular.

El fotógrafo autodidacta alemán Maik Lipp, apasionado de la arquitectura, hace series de fotografías conceptuales y minimalistas, en las que el edificio se convierte en el centro de atención sobre un cielo despejado del más puro CYAN. Una forma diferente de observar la arquitectura y los monumentos de las ciudades. El artista ha plasmado en su obra la geometría de edificios de todo el mundo, como Miami, Singapur, Frankfurt o Lisboa. Ahora esta obra se encuentra a la venta a través de su página web, podéis verla aquí.

COMIDA RÁPIDA EN CMYK

Últimamente hemos visto impecables proyectos de interiorismo para restaurantes y gastrobares que ofrecen una cocina gourmet de alta calidad, pero los interioristas no abandonan a los negocios gastronómicos de comida rápida, hoy diez ejemplos con creativos diseños basados en CMYK.

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The Fish Market, Melbourne

Una nuevo concepto de Fish and chips, que ofrece pescado fresco de lonja con un toque gourmet. Acorde a la carta, un diseño impecable realizado por el estudio Colab, que combina materiales como azulejos blancos y revestimiento de madera con señalización retro y mobiliario de diseño en tonos amarillos.

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Wishbone Brixton Village, Londres

Un restaurante de pollo frito ubicado en el interior del mercado de Brixton en Londres, que el estudio Treeslounge ha diseñado, inspirado en una tienda de comestibles, utilizando una paleta de llamativos colores, combinados con elementos decorativos y mobiliario de madera de roble, acero galvanizado y latón.

Los mejores locales del mundo

Madness Creamery, Arequipa (Perú)

Un proyecto nada convencional diseñado por el estudio id 12º 77º, que basa su diseño en coloridos pictoramas con un toque nórdico, combinados con materiales fríos como el granito, el cuarzo o el azulejo. El mobiliario en las mismas tonalidades de la decoración se integra de manera absoluta en el diseño.

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Pizzeria Los Sopranos, Barcelona

Un espacio diseñado por el arquitecto Pedro Scattarella inspirado en los míticos almacenes portuarios neoyorquinos, con contenedores de varios colores y decoración industrial, en mobiliario, techo y acabados.

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YOI, Estocolmo

El diseño pertenece a Lomar Arkitekter con una estética asiática, cierto toque modernista japonés, cultura pop en las paredes, y colores nórdicos. Una mezcla que confluye en un espacio gastronómico nada convencional, basado en hamburguesas para disfrutar con amigos.

Voodoo Ray’s, Londres

Voodoo Ray’s, Londres

Un espacio diseñado por Gundry & Ducker, que hace referencia a Nueva York y Londres. Su señalización de neón y el interior de azulejos brillantes es un diseño pensado para simular la esencia callejera nocturna. El interior está formado por una secuencia de volúmenes revestidos en seis azulejos de cerámica en CMYK.

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400 Rabbits, Londres

La tarea de diseñar esta pizzeria restaurante se redujo a una colaboración entre el estudio Junction y el equipo del interiorista Richardson Studio. Con el objetivo de diseñar un restaurante italiano con ingredientes británicos y un toque azteca, un original enfoque que refleja perfectamente la personalidad de los propietarios del restaurante.

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Kessalao, Bonn

Partiendo de un naming espectacular, nace este restaurante de esencia mediterránea, en el oeste de Alemania. El encargado de llevar adelante el proyecto ha sido el equipo de Masquespacio, un estudio que ha sabido adaptar perfectamente dos culturas gastronómicas, reflejadas en el diseño del interior del local.

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Tacombi, NY

Tacombi comenzó a vender tacos en una vieja furgoneta Volkswagen en Playa del Carmen (Yucatán). Ahora es propietario de varios locales en Nueva York, con un diseño que evoca el estilo de vida playero y la magia de la comida callejera típica mexicana. Con acabados industriales combinados con rótulos vintage a todo color, pintados a mano en las paredes.

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Burrito Mama, London

Un original diseño creativo, llevado a cabo por BuroCreative Softroom. Sobre la decoración industrial destacan los murales hechos a mano a todo color con anuncios en las paredes de metal reciclado, con efectos envejecidos, y elementos corporativos pintados en las ventanas de cristal.

 

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Tendencia «isotipo» en la historia del Rock

Este post es el comienzo de una retrospectiva que analizará las tendencias utilizadas en identidad visual a través de la historia del rock y sus subgéneros desde la década de los 60 hasta hoy. Hoy, isotipos que se han convertido en iconos, y que sin estar acompañados de un naming son más que reconocibles.

1964 ROLLING STONES (UK)

Seguramente el artista gráfico John Pasche, no tenía ni idea de la trascendencia que su lengua tendría en el universo del rock y sus descendientes directos. La hemos visto durante casi seis décadas en revistas, textil, posters, tazas y todo tipo de objetos comerciales. El isotipo de los Rolling Stones es un icono del rock, un hito y un inconfundible símbolo que no se ha modificado desde su creación, una atemporalidad que le confiere un estilo gráfico propio. Los demás lo intentaron, pero nunca con tal éxito.

1966 FRANK ZAPPA (USA)

Muchos músicos venidos del mundo del arte han optado por ser creadores de su obra gráfica. Pasó en los 60 y sigue pasando hoy en día. El mítico y multidisciplinar Frank Zappa utilizó durante toda su carrera un isotipo que representaba a su peculiar bigote y que sin un naming que lo acompañe es totalmente reconocible para fans y no tan fans de su rock experimental.

1978 VAN HALEN (USA)

En una década donde la psicodelia influenciaba a la música y al arte, con sus formas redondas y colores estridentes, el diseñador Dave Bhang creó el famoso isotipo para el hard-rockero Van Halen, utilizando líneas rectas de palo seco, aportando atemporalidad al conjunto gráfico, que a día de hoy podría utilizarse en estilos como el indie electrónico, el art rock o el britpop.

1979 MADNESS (UK)

El isotipo de uno de los grupos precursores del género ska, fue diseñado por el reconocido artista Barney Bubbles. Cierto es que la construcción tiene connotaciones anglosajonas, ya que no es el único grupo musical de Reino Unido que utiliza una corona como parte de su imagotipo. Y aunque quizá sea un símbolo menos reconocido que los anteriores, también se ha visto reproducido en camisetas y sudaderas a lo largo de varias décadas.

1982 HÜSKER DÜ (USA)

En 1980, antes del lanzamiento de su primer disco Everything Falls Apart, uno de los miembros del grupo diseñó el naming de la banda para un concierto, en helvetica y sin isotipo. Un poco más tarde introdujo el símbolo que se convertiría en icono del hardcore temprano, y que a día de hoy se ha impreso en camisetas millones de veces.

1992 WEEZER (USA)

En pleno apogeo del grunge americano Patrick Wilson, batería de la banda, diseña este futurista logotipo que muchos han calificado como una copia del diseño de Bhang para Van halen. Sea como fuere el isotipo de Weezer ha perdurado hasta hoy sin modificar nada de su diseño.

1995 RAMMSTEIN (Alemania)

Mientras los grupos de heavy metal y sus subgéneros se dedicaban a representar su imagen mediante tipografías puntiagudas a modo lettering, los alemanes Rammstein se diferenciaron encargando su logotipo al artista Dirk Rudolph, apostando por un imponente isotipo que reduce a dos letras el naming del grupo.

1996 RADIOHEAD (UK)

El famoso isotipo llamado «Death bear» de Radiohead fue diseñado por Stanley «Dan Rickwood» en el año 2000. Su simetría y proporciones han permitido que este diseño sea fácilmente aplicable a cualquier formato, ya sea impreso o industrial, una norma que debería seguir cualquier diseño basado en isotipo.

1998 QUEEN OF THE STONE AGE (USA)

Otro isotipo más para la colección de iconos del rock. La banda ideo el símbolo de un espermatozoide entrando en un óvulo, lo que construye una «Q», inicial del naming de la banda. El diseño ha sido modificado gráficamente, pero la esencia del concepto no ha cambiado en dos décadas.

1999 THE WHITE STRIPES (USA)

Seven Nation Army se ha convertido en un hito que cualquier persona ha escuchado y bailado en sus diferentes versiones. El bajo y la batería marcaron el primer estilo dance en un grupo de garage y blues rock. Así de innovadora fue su música y no menos innovador fue su isotipo, que con cierto toque psicodélico mantiene una simetría absoluta dentro de una composición realizada por un evidente editor profesional de imagen. Lo que representa la excéntrica personalidad de este duo de Detroit.

2004 SCISSOR SISTERS (USA)

Diseñado por el guitarrista de la banda ‘Scott «Babydaddy» Hoffman en 2001, este icono de principios del s.XXI se ideó tan sólo un día después de ponerle nombre a la banda. Es la evidencia de que un buen naming facilita el desarrollo de un buen diseño, un isotipo que sea reconocible y perdure en las mentes de la gente sin un logotipo que lo acompañe.

2012 ALT-J (UK)

Un isotipo de la nueva era, no sabemos si se convertirá en icono, pero con tan sólo cuatro años de vida, Alt-J ya ha conseguido utilizar su diseño en diferentes soportes que lo hacen reconocible, a pesar de su sencillez y elegancia inglesa, todo un ejemplo de menos es más en identidad visual.

Cuando lo orgánico se convierte en funcional

Hoy es jueves DIY, estamos en septiembre, tiempo de cambio de armario en el que no viene mal redecorar espacios. Os proponemos algunas ideas para construir percheros de una forma económica y muy original. Percheros con ramas de árbol, una idea genial para reorganizar tu ropa de invierno. Feliz jueves de reciclaje creativo.

Superhéroes en formato CMYK

Adentrarse en el universo del cómic no es tarea fácil, aunque llevamos tiempo pensando que este emergente género de los años 40 se merecía una reflexión a nivel creativo. Este post, va dedicado a todos aquellos melancólicos del género que quieren saber un poco más de la creatividad inicial de cada uno de sus Super Héroes. Si nos hemos dejado alguno, disculpad las molestias, podéis proponer vuestro preferido en los comentarios del post.

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Colorea tus objetos

¿Te gustaría darle vida a esos objetos que no llaman la atención en tus estanterías o mesas y que dabas por perdidos?, soluciones low cost, colorea tus objetos! Aburridos maceteros, bloques de hormigón, felpudos, jarrones e incluso ventiladores y pintura claro; cualquier idea es buena para hacer brillar tu hogar. Os dejamos algunas imágenes interesantes de inspiración:

 

 

El blanco si es un color

Se dice que el blanco no es un color como tal, sino la ausencia del mismo. No vamos a entrar en tal debate. Hoy nos vamos a centrar en algunos consejos decorativos de base en color blanco.

El hecho de decorar sobre este color permite colocar como elementos secundarios cualquier objeto o estilo decorativo. Por ejemplo, una habitaciónde de techo, suelo y pared en blanco nos permitirá utilizar en paredes, iluminación y detalles de cama los tonos que queramos. Lo mismo ocurre con los espacios de trabajo o con los salones, donde las mesas, sillas o sofás son de color blanco. Os dejamos algunas ideas de decoración que quizá os sirvan de inspiración. ¡Feliz jueves DIY!

Tapizados de la abuela

Hoy toca reciclaje creativo, siguiendo la serie de «Los muebles de la Abuela» os proponemos una galería de ideas para renovar los antiguos sillones que tu madre quiere tirar al contenedor ya; si estás redecorando tu salón o incluso en tu dormitorio, puedes colocar uno de estos sillones tapizados en colores vivos, ¿el gasto?, la tela que elijas, ¿dificultad?, se creativo y combina los colores teniendo en cuenta el espacio donde vayas a colocar el sillón.

Palets que enamoran

Hace mucho que no hablamos del término «low cost», hoy más que nunca nos acogemos a este concepto presentando una serie de ideas decorativas verdaderamente asequibles, con un palet y mucha imaginación podrás convertir cualquier rincón de tu hogar en un espacio de diseño, bien sea el jardín, la entrada de casa, el salón o incluso tu zona de trabajo.

¿Estás ya de vacaciones? ¡Adelante con tu tiempo libre!

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Ilustración y foam surfean en la misma ola

Es verano, la gente se mueve, un viaje de surf es una buena opción para desconectar de la rutina. En estos últimos tiempos, donde el consumismo innecesario parece no tener límites, donde la balanza de los valores sociales se inclina hacia lo material y, donde la satisfacción humana parece estar condicionada por “el poseer”, encontramos un Surf también condicionado y sostenido por dichos valores. Pero no todo fue así al principio. Hoy no contaremos la historia de este deporte, sino de cómo la ilustración y el surf se unen de la mano.

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Pintando los muebles de la abuela

Hoy es jueves y toca un poco de reciclaje creativo, de nuevo os traemos algunas ideas para recuperar los muebles de la abuela que según tu madre, deberían estar en la basura. Pon un poco de imaginación, elige colores vivos, apúntate a la técnica «envejecido moderno», aplica papeles pintados o telas para complementar al mobiliario, usa tiradores creativos y divertidos, cualquier idea fresca servirá para darle un aire nuevo a los muebles que tenías acumulados en el trastero de la iaia. Disfruta!

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Querido Sr. Don Kraft

Es sabido que con cualquier crisis económica los procesos de producción buscan abaratar costes y claro está que nadie quiere perder presencia. Lo dicho, menos es más en creatividad y, en el diseño de packaging idem de lo mismo.

El hecho de utilizar una sola tinta en el diseño de un embalaje o materiales tales como el cartón puro o papel kraft no tiene porque restar calidad en la presentación de un producto, bien sea de base tecnológica o de alimentación ecológica, lo mismo da que da lo mismo, y lo podemos ver en la versatilidad de la que se han aprovechado marcas y productos jóvenes que con poco presupuesto han creado un producto que con evidente éxito consigue diferenciarse visualmente del resto.

Os dejamos una galería «Ecopack» que seguro os sorprenderá en muchos aspectos.

The percentage mailing

La agencia Serviceplan Campaign crea una original camapaña de mailing para The percentage mailing, con el objetivo de informar a sus clientes sobre la calidad de los productos de inversión de Akzent. Como resultado el  público objetivo recibe un correo que consta de tres botellas de vino, donde el porcentaje de alcohol es igual a la ganancia potencial más elevada. Una campaña satisfactoria, en la que la audiencia respondió con un aumento en los pedidos de asesoramiento.

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MIRROR WALL

Uno de los artículos más leídos en nuestros jueves de reciclaje creativo ha sido «Decorando espejos» en el que os proponíamos algunas ideas para redecorar espejos antiguos o convertir otros objetos en espejos. Hoy os vamos a dar algunas ideas para decorar vuestras paredes, originales composiciones con espejos y otros objetos que convertiran vuestras estancias en espacios de lujo creativo.
DECORAR ESPEJOS

Original ideapara dar vida a cualquier pared, combinación es espejos de diferentes estilos con el marco pintado en el mismo tono verde cesped, podéis usar una pintura más mate para paredes blancas. Podéis mezclar marcos de diferentes estilos y tamaños, ya que la unidad visual la consigue el hecho de que todos sean del mismo color. Si vuestra pared es oscura podéis pintar los marcos en tonos claros o directamente en blanco para conseguir mayor contraste en el diseño.

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Nos encantan las mezclas de estilo, aquí tenéis un creativo ejemplo para decorar las paredes de vuestro comedor, un ecléctico mosaido de espejos y objetos que le aportarán mucho carácter a vuestra estancia.

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Y para el cuarto de baño una idea muy visual, antiguos espejos sin marco, que podéis encontrar en los rastros a un precio mínimo, sobre pared pintada en gris antracita, una idea retro que aporta a esta estancia elegancia además de hacer el espacio más mucho más grande gracias a la luz que reflejan los espejos.

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Aquí el diseño va un paso más allá, no sólo se trata de combinar objetos enmarcados además de espejos redecorados. La estancia está decorada con muebles antiguos restaurados, con tonalidades que van desde la gama de verdes ácidos hasta la turquesa, una atrevida combinación que da muy buen rsultado visual.

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En estancias blancas o de color muy claro puede ser una buena idea decorar el espacio con objetos más oscuros, aquí tenéis un ejemplo, una entrada donde se ha colocado un antiguo escritorio pintado en gris pizarra brillo y sobre él una composición de espejos con el marco tintado en el mismo tono, una idea que hará que vuestros espacios adquieran un estilo romántico renovado.

Decorar espejos

Y para acabar un estilo que nos encanta, el estilo vintage francés, una combinación de marcos y espejos tintados en blanco roto y dorado, sobre mueble antiguo tintado en color blanco y pared en tono pastel.

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Gift wrap ideas

Se acaban las vacaciones navideñas, pero todavía nos queda una fecha importante, la esperada llegada de Los Reyes Magos a nuestros hogares la madrugada del martes. Y Sus Majestades en estos tiempos quieren estar a la última y utilizan todo tipo de técnicas creativas para envolver los regalos. Os dejamos una galería con packaging DIY con todo tipo de materiales inspiradores y muy económicos como wrapping, stamping, kraft o scrapbooking. ¡A dirfrutar!. Esperamos que hayáis sido buenos y no sólo os traigan carbón ; )

Jugando con Vekväm

Es jueves DIY y como toca os vamos a recomendar ideas e inspiración low cost, esta vez con el conocido taburete Vekväm de Ikea; con un poco de imaginación y poco dinero podéis integrar este elemento decorativo en vuestras estancias. Os dejamos una galería con 15 originales propuestas. ¡A jugar!

Muquifu, Museo de Comunidades Urbanas y Barrios Periféricos

Muquifu es un espacio que promueve la conservación de la cultura de un grupo de barrios marginales en Belo Horizonte, Brasil. Las impecables imágenes de esta campaña gráfica retratan a sus actuales residentes de una forma metafórica y pictórica; su gente, aparece fotografiada detrás de las ventanas de sus casas, lo que se convierte en en una metáfora visual de sus difíciles condiciones de vida.

Un cartel en la pared es la firma del dueño de cada vivienda, un texto que habla de sus deseos y sueños no cumplidos, sueños que se quedaron estancados entre cuatro paredes. El mundo no es para todos el mismo, aunque sus ventanas estén abiertas a él.

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Cabeceros DIY

Cambio horario, menos horas de luz y empieza el frío, y lo que apetece en este tiempo es no levantarse de la cama. Hoy os proponemos diferentes formas de crear y decorar vuestros cabeceros de cama de una forma creativa y sobre todo económica. ¡Feliz jueves DIY!

 

¿Por qué lo llaman creatividad cuando quieren decir diseño?

Ahora que se acerca el tiempo de comenzar tus estudios en diferentes Escuelas y Universidades, nos preguntamos si la metodología a seguir de los centros que imparten grados y módulos de Diseño es la adecuada para formar de manera eficiente a los futuros creativos de nuestro país.

Estas disciplinas artísticas han sufrido innumerables modificaciones a lo largo de las últimas tres décadas, los estudios de creatividad en general quizá se han centrado más en implantar una metodología práctica, en cuanto a aprender las numerosas herramientas y tecnologías que las empresas de software de edición lanzan al mercado, tales como Adobe® o Macromedia@, olvidándose en cierta manera de enseñar y potenciar la creatividad desde el concepto.

Quizá los primeros cursos de Diseño, relacionados con la Identidad corporativa, el branding, la publicidad o el diseño editorial, deberían contar con una metodología investigadora, en la que se analizaran con profundidad diversos temas imprescindibles a través de casos reales que ayudaran a los estudiantes a comprender el porqué de cada elemento.

Cuando vemos un buen proyecto creativo, ya sea una Identidad Corporativa, una revista, una campaña publicitaria o una página web, debemos plantearnos qué desarrollo se ha seguido para llegar a dicho acabado gráfico y no qué herramientas, filtros, colores, texturas o maquetación se han utilizado. En otras palabras, se debería fomentar el análisis conceptual de manera exhaustiva.

¿Cómo un estudiante de primer cursos de Diseño Gráfico va a desarrollar efectivamente una campaña publicitaria si no conoce a fondo las tendencias o los diferentes tipos de marketing que se encuentran detrás de un buen diseño?,  ¿No se deberían implantar de manera fehaciente términos como  segmentación, target, empatía o concepto?

Está claro que aprender a manejar los programas de edición no es tarea fácil, pero, ¿de qué sirve hacerlo muy bien cuando se tiene una carencia en cuanto a la metodología creativa?. Es por eso que quizá unos estudios de estas características deberían diversificarse en diferentes ramas, porque cada disciplina es un mundo, un universo bastante complejo en el que no se nos puede escapar nada.

Quizá el diseño editorial y el diseño de identidad corporativa, sean como la noche y el día, para no ser tan exagerados quizá, como la tarde y la mañana. La especialización es la clave del aprendizaje efectivo, no sólo en el ámbito creativo, sino en muchos otros. Por ello deberían haber más Grados y Módulos en los que poder especializarse y así poder en cuatro años llegar a ser expertos en ese ámbito.

Cada disciplina depende de unas variables diferentes y un buen ilustrador quizá no lo sea tanto desarrollando logotipos, y el que se dedica a desarrollar muy bien campañas publicitarias para diferentes soportes, quizá lo haga peor cuando se pone a maquetar folletos o catálogos.

En el Diseño offline hay que saber mucho de técnicas de preimpresión –todo un mundo bastante complejo-, en el diseño multimedia te debes familiarizar a fondo con formatos y tecnologías varias, en la creatividad publicitara se deben tratar conceptos sobre estrategias y marketing y así sucesivamente… Por ello un estudiante que aprende un poco de todo ello no es experto en nada en concreto y acaba sus estudios sabiendo algo de mucho y poco de todo.

Con esto no tratamos de menospreciar todo el sistema educativo actual, ni mucho menos, sabemos que se están haciendo esfuerzos y no pocos para conseguir que las cosas funcionen, aunque en este país vaya lenta la cosa. Evidentemente cuando los estudios de Diseño Gráfico alcancen el mismo bagaje que los de arquitectura o los de Comunicación, las cosas sean diferentes. Hoy por hoy y aunque parezca mentira, estamos empezando a tomarnos esto en serio y, cuando lleguemos a ese punto quizá dejemos de ver intrusismo en nuestras profesiones, porque realmente seremos expertos en lo que hacemos y nadie lo podrá hacer mejor que nosotros.

¡Buena suerte y feliz curso!

El hormigón puede ser decorativo

Hola DIYERS!, buenos días! ¿Habías pensado alguna vez en el hormigón como elemento decorativo?, seguro que sí, pues hoy algunas ideas para construir espacios con este común elemento de contrucción. Lo podéis encontrar fácilmente en vuestras tiendas de materiales por poco más de 2€ la pieza. Feliz jueves!

 

Misceláneas

La unión de disciplinas artísticas siempre ha supuesto un buen resultado visual, composiciones que albergan estéticas influenciadas por el carácter multidisciplinar del creador de la obra.

Es el caso del proyecto tipográfico-fotográfico del diseñador Londinense Gokhun Guneyhan, que ha posicionado su marca personal como artista gráfico con un atractivo proyecto que mezcla imagen real en pixel con cuidadas tipografías, representando ciudades entre las que se encuentran Barcelona y Madrid, y un proyecto que se ha hecho altamente viral en Social Media, todo un ejemplo a seguir en posicionamiento de personal branding.

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Mi abuela ya conoce Pantone®

Cualquier diseñador gráfico sabe perfectamente qué es PANTONE©, pero para los demás un poco de historia. Pantone es casi el padre del color, se ha configurado como la autoridad de renombre mundial en lo que respecta al color. En definitiva y durante casi 50 años, Pantone ha sido la inspiración para los profesionales del diseño.

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En 1963, Lawrence Herbert, el fundador de Pantone, creó un innovador sistema para resolver los problemas asociados a la producción de muestras precisas en la comunidad de las artes gráficas. La idea de Herbert para crear un sistema estándar de color se basó en que, cada individuo interpretaba el espectro de colores de manera diferente, por ello PANTONE MATCHING SYSTEM©, fue la solución que Herbert aportó al problema, un libro de colores normalizado en formato ventilador.

Pantone ha expandido su normativa del color a otras industrias como la tecnología digital, la moda, el hogar, productos plásticos, la arquitectura, la pintura y el interiorismo. Hoy en día, el nombre de PANTONE es conocido mundialmente como el lenguaje estándar para la comunicación precisa del color, desde el propio diseñador, pasando por el fabricante, al minorista y a los clientes, todos conocen la marca PANTONE.

La marca ha creado incluso un Instituto, El Pantone Color Institute, un centro de investigación del color que comparte sus experiencias con profesionales de una gran variedad de industrias, incluyendo la moda, el sector industrial, la arquitectura y el interiorismo, las artes gráficas, la publicidad, el cine o la educación. Reconocido en todo el mundo como la principal fuente de información de color, el Instituto es un efectivo recurso para los medios de comunicación más influyentes del mundo. A través de este centro, Pantone estudia cómo los procesos de color influencian al pensamiento humano, a las emociones y a las reacciones físicas, un compromiso real con los profesionales a los que proporciona una mayor comprensión del color ayudándoles a utilizar el color de manera más efectiva. Leatrice Eiseman,  principal experta en el color en los Estados Unidos, es la directora ejecutiva de Pantone Color Institute .

Pero la marca ha ido un paso más allá, ha querido llegar a los usuarios de a pie y ha creado PANTONE UNIVERSE, una colección de productos de estilo de vida basado en las tendencias de color de moda. Pantone vende artículos de papelería, equipo de viaje, accesorios, ropa e incluso cafeteras, combinando diseños atemporales y materiales modernos con colores PANTONE de moda. Ha sido un gran ejemplo de ampliación de mercado. Os dejamos algunas imágenes.

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1.460 días de emociones

Esta semana nuestro proyecto ha cumplido cuatro años, todo un logro para los tiempos que corren en cuanto a emprender se refiere. El camino no ha sido fácil, y el éxito una combinación de equipo, apoyo y planificación estratégica, sin estos tres puntos nada hubiera sido posible.

Gracias a entidades como la Universitat Jaume I, el CEEI (Centro Europeo de Empresas de Innovación) y varios medios de comunicación, nuestro proyecto creció rápido, obteniendo varios premios que nos  confiaron credibilidad y visibilidad, y que sumados a nuestra estrategia online han hecho posible el desarrollo de más de 200 proyectos hasta la fecha, en los que hemos ayudado a otros emprendedores y les hemos visto crecer con mucho orgullo.

Os dejamos algunas imágenes con las que queremos dar las gracias  a todos los que nos han estado apoyando en el proyecto desde el principio. Esperemos que sean cuatro años más ; )

CEEIAño 2011

Emprenem Junts nos ortorgó el 2ª premio a mejor proyecto de Innovación, el día de la Persona Emprendedora de La Comunidad Valenciana, nuestro proyecto todavía se estaba gestando, por lo que la mención fue una gran motivación para convertir una idea de negocio en una realidad.

En la imagen Cristina Castellanos, co-fundadora del proyecto recogiendo el premio en el salón de actos de la Feria de Valencia, de la mano de uno de los miembros del jurado.

 

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CRISTINA CASTELLANOS

AÑO 2012

El Consell Social nos concede el Primer premio ex-aequo junto con Soluciones 480, al mejor proyecto emprendedor de la Universidad de Castellón.

En la foto de arriba Cristina Castellanos recogiendo el premio de la mano del Presidente del Consell, D. Rafael Benavent junto con otros mienbros del Consell Social.

A la izquierda junto con algunos miembros de la Universidad y la Generalitat.

 

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CRISTINA CASTELLANOS

AÑO 2013

El Periódico Mediterráneo junto con la Fundación Telefónica, nos concede el premio a mejor empresa del año, en la categoría de joven empresa.

Arriba reportaje de El Mediterráneo explicando el proyecto.

A la izquierda los miembros de Diseño Low Cost, en la cena de gala de entrega de los premios, que se celebró en el Auditori i Palau de Congressos de Castelló.cristina castellanos   cristina castellanos

A la izquierda, nuestra DIRCOM dando una charla a algunos empresarios sobre Branding Online en el CEEI Castellón, en los Desayunos de Innovación.

A la derecha como participante de la conferencia sobre emprender, que el CEEI organizó el Día de la Persona Emprendedora en la Universitat Jaume I.

Las #vacaciones perfectas

Nos vamos de merecidas vacaciones, ¡siii por fin! Vacaciones es salir de la rutina, vacaciones es un lugar lejano, vacaciones es un paisaje diferente, vacaciones es relax… ¿Cómo son tus vacaciones perfectas?, las nuestras cualquiera que no sea estar donde siempre y hacer lo habitual.

Para aventurer@os solitari@s

No te dejes nada, te vas a mover mucho, quizá necesites toalla y crema solar pero también saco de dormir y algo de ropa de vestir. Vas a conocer a gente, a mucha y diferente. Llévate a Pancho y carga tu MP3 de música, te harán compañía en el viaje.

Para romántic@os con estilo

Te apetece desconectar en medio de la nada pero quieres estar cómodo, ya te pasas demasiadas horas delante del ordenador como para dormir mal, ideal para parejas, tus únicos compañeros serán los búhos y las chicharras.

Para aislarte del mundo y flotar de verdad

Una casa colgante, aislad@ pero lleno de comodidades, para vacaciones largas, con pareja o amigos. Sólo deberás ocuparte de no hacer nada, es tarea fácil. No aconsejable para miedosos de la noche.

Para los isleños empedernidos

Muchos optan por esta opción, islas semi-desiertas donde la tecnología es casi inexistente, una manera obligada de desconectar de la rutina. Llévate tu guitarra detrás, seguro que acabas componiendo algo genial.

Para viajer@s urbanitas

Mochila y billetes de tren que te lleve de manera fácil a la ciudad que quieras, una forma muy urbanita de viajar y conocer fácilmente lugares nuevos, un tour por cualquier país de Europa te reconfortará bastante.

Para adict@s al trabajo

Ideal para autónomos que no pueden desconectar demasiado tiempo, llévate el portátil, pero colócalo en un paisaje relajante con un buen cocktail al lado. El problema, la vuelta a tu oficina de siempre.

Para l@s que cuentan con una economía reducida

Llena tu furgoneta de todo y conviértela en tu casa, puedes buscar sitios en el norte con sombra que te protejan del calor y que sean gratis. Eso te permitirá alargar tus vacaciones bastante.

Para sibaritas con poco tiempo

Alquiláte la casa de tus sueños para un fin de semana, vistas increíbles, todo tipo de comodidades, a poder ser frente al mar con vistas relajantes y brisa fresca. Ideal para parejas o grupos reducidos.

Ariel, una marca hecha por y para amas de casa

Siguiendo con el análisis de Marcas vs marcas blancas, hemos escogido esta vez una renombrada marca de detergente perteneciente a la legendaria multinacional de marcas líder P&G. Una marca hecha por y para amas de casa que, en ocasiones ha creado controversias mediante polémicos anuncios que nada tienen que ver con los principios iniciales proyectados por la empresa Procter & Gamble.

 

 Ariel, controversias publicitarias

Pero antes de embarcarnos en el análisis de la gráfica publicitaria de la marca, haremos una pequeña introspección a la evolución de su identidad corporativa. Ariel, aparece por primera vez en el mercado Inglés en el año 1967, a raíz de la creciente popularidad que adquieren las lavadoras en la mayoría de los hogares de todo el mundo. Su logotipo se imprimió durante algunos años en el icónico tambor de cartón de 3kg hasta adaptarse a los innovadores envases que Ariel ha ido lanzando al mercado.

Una logotipo atemporal

La tipografía roja de palo seco en mayúscula se ha mantenido casi intacta a lo largo de los años, resaltando siempre la letra “A” inicial en un tamaño algo superior al resto. Dichas características transmiten a la identidad de Ariel gran fortaleza y solidez; el cambio más significativo se advierte en la última modificación con el redondeo de la tipografía, que la moderniza a la vez que sintoniza con el imagotipo de las elipses entrecruzadas típico en todos sus productos.

En definitiva, la marca ha conseguido crear un logotipo atemporal que se ha mantenido durante toda su historia en sus diferentes productos. El conjunto visual resulta bastante insinuante en cuanto a las propiedades que el detergente representa y vende y el logotipo se ha ido integrando y modernizando a medida que su reclamo ha ido cambiando. Podemos observar un logo estable, plano, que mantiene la forma de la estrella de elipses con un núcleo formado por burbujas, transmitiendo sensación de limpieza absoluta. Un acierto de Ariel y factor que en adelante le diferenciará del resto de detergentes en el mercado y de sus competidores ahora más fuertes, las marcas blancas, aunque muchos de ellos hayan hecho intento de similitud con la marca líder copiando el rojo característico de sus letras e incluso las reconocidas elipses de color.

Una cuidada transformación publicitaria

A diferencia de otras marcas, Ariel ha invertido gran parte de sus beneficios en publicidad offline, tanto impresa como audiovisual. Aunque su mensaje inicial enfocado directamente a las amas de casa haya cambiado considerablemente en estos últimos años.

En 1977 Ariel lanzó una primera campaña televisiva que se convirtió en un icono entre las consumidoras: el “Chaca-Chaca”. Esta campaña resaltaba las cualidades del detergente, mostrando en el anuncio el tambor en movimiento de una lavadora automática que dejaba tiempo libre a las amas de casa. Esta campaña duró más de 20 años.

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En 2004, la campaña de publicidad de Ariel Automática consiguió el Gran Premio a la Eficacia Publicitaria por «haber realizado en su comunicación un giro hacia la emoción», según el jurado.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=Vp6LYpBW5qM?rel=0&w=640&h=480]

Comenzaba aquí una cuidada y actualizada imagen de la marca en los medios audiovisuales generalistas, donde además el hombre comienza a ganar influencia en este tipo de productos y Ariel muestra un ejemplo de ello en una de sus campañas.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=LwcxuioGPr0?rel=0&w=640&h=480]

El marketing social de Ariel

Desde su fundación en 1837, la mentalidad progresista de la marca se convirtió en el sello distintivo de Procter & Gamble. Ya en 1960, redujeron considerablemente el uso de fosfatos en sus productos  para frenar la creciente contaminación del agua. Además, Ariel ha formado parte de diversos programas solidarios como “Vivir, Aprender, Crecer”, un programa con el que la marca se comprometía a mejorar la situación de miles de niños en todo el mundo en beneficio su salud y educación.

Procter & Gamble España a través de Ariel, se unió además a UNICEF apoyando a los derechos de la infancia a través de su campaña “Cada gota cuenta”, colaborando económicamente con el proyecto WASH (Agua, Saneamiento e Higiene), que UNICEF llevaba a cabo en Haití  para sensibilizar a la sociedad sobre la importancia de ahorrar agua, contribuyendo así a mejorar la salud y condiciones de vida de los niños y niñas más desfavorecidos, y difundiendo el uso del detergente concentrado con la filosofía de “menos es más”.

A partir de ahí comenzaría una etapa de alta responsabilidad social para la marca, que conseguiría un importante valor añadido con una óptima reputación de sus productos y en consecuencia altos beneficios económicos.

“el marketing social es un proceso a través del cual la empresa adopta sus decisiones de marketing con un triple objetivo: su interés empresarial, la satisfacción del consumidor y el bienestar a largo plazo de éste y de la sociedad en su conjunto.” (Philip Kotler)

Desde septiembre del año 2005 la agencia Saatchi & Saatchi en Madrid ha asumido la responsabilidad estratégica de Ariel en varios mercados. A mano de esta agencia de publicidad aparecen nuevas campañas publicitarias unidas al concepto social. Con “Juntos por un mañana impecable”, logró reunir más de 6.000 mil prendas de ropa para los niños de «Aldeas infantiles SOS».

Saatchi & Saatchi crea diversas campañas publicitarias con una cuidada gráfica, que se centra en el mensaje mismo dejando a un lado a la figura del consumidor y del producto en sí.

Interacción directa con el consumidor

Saatchi & Saatchi creó para la marca una innovadora campaña publicitaria, utilizando su página de Facebook para hacer partícipe al público, consiguiendo con ello cerca de 185.000 seguidores de todo el mundo. En la campaña se instaló durante una semana una caja de cristal en la sala de espera de la Estación Central de Estocolmo, donde los transeúntes podían ver la ropa colgada en un tendedero giratorio para ensuciarla. Su funcionamiento era el de iniciar sesión en la aplicación de Facebook de la página de Ariel para mediante un control remoto disparar en tiempo real a la ropa del tendedero con una pistola cargada de salsa de tomate, chocolate o mermelada de arándano rojo. El usuario que conseguía manchar la ropa que giraba tendida ganaba dicha prenda, que Ariel le mandaba por correo después de lavarla con uno de sus productos estrella.

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Ariel se ha hecho un hueco importante en los medios sociales, con un Canal en Youtube muy actualizado, una Fanpage altamente participativa y un perfil de Twitter con más de 25.000 seguidores (@ArielDetergente).

Pero no todo han sido éxitos en su estrategia digital, en el año 2010, de la mano de la agencia brasileña Ponto de Criaçao, la marca lanzó una polémica campaña en forma de Banner, utilizando la imagen de George Bush y Hitler, que a través del detergente limpiaban su imagen para acabar convirtiéndose en Gandhi y Chaplin respectivamente. Una apuesta arriesgada para las asociaciones de publicidad.

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=HPx_C2P7pyA?rel=0&w=853&h=480]

Sin duda aquel tambor de Ariel inicial ha dado muchas vueltas en las lavadoras de las amas de casa de todo el mundo.

Interior y exterior todo en uno

¿Cuánto te dura una cerveza en la mano… o en el vaso?, seguro que poco tiempo, sobre todo cuando hace calor. El mercado está copado de marcas de cervezas nacionales e internacionales, las pequeñas luchan por hacerse un hueco en cada bar, pretendiendo quedar inscritas en la mente del consumidor con sabores inconfundibles. Pero, ya no vale cuidar sólo el interior para poder diferenciarse, la cerveza entra por la vista y un buen packaging contribuye a que escojamos una u otra botella a la hora de consumir tan preciada bebida. Como creativos pensamos que el valor añadido mediante el diseño en estos ejemplos es tal, que sin dudarlo escogeríamos estas cervezas en cualquier cata que se precie. ¿Y vosotros? Feliz puente y, ya sabéis, ¡si bebes, no conduzcas!.

 

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MARCA: Merkator (Bélgica)
DISEÑO: Vibeke Illevold, Oslo (Noruega)
POR QUÉ: Por su original diseño basado en el concepto marinero. Los símbolos están tallados a mano y cada botella está etiquetada artesanalmente, toda una obra de arte.

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MARCA: Better Half
DISEÑO: VSA Partners, NY (USA)
POR QUÉ: Por la exquisita combinación diseño de la botella, naming  y etiquetado. Un diseño de coleccionista que apuesta por el minimalismo y muestra el producto sin ningún impedimento visual. Diseños de los que perduran en el tiempo.

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MARCA: Mikkeller (Dinamarca)
DISEÑO: Bedow, Estocolmo (Suiza)
POR QUÉ: Por el concepto sobre la producción de las cuatro estaciones y la idea de representarlo en una sola tinta sobre una sencilla etiqueta blanca. Menos a veces -o casi siempre- es más.

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MARCA: Rein, Cerveza sin alcohol (Proyecto personal)
DISEÑO: Vladimir Pospelov (Rusia)
POR QUÉ: Por el acertado atrevimiento de ocualtar el producto bajo una botella tintada de rojo, que muestra un diseño único con un gusto y tendencia extraordinaria. Seguro que no te olvidas de ella.

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MARCA: Cobra Wit (Dinamarca)
DISEÑO: Engelbreckt (Dinamarca)
POR QUÉ: Por el guiño al diseño editorial y la fotografía conceptual. Económico de producir, fácil de recordar.

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MARCA: Beat Beer
DISEÑO: Kevin Harald Campean (Hungría)
POR QUÉ: Por la elegancia del conjunto y originalidad en el diseño del cuello de la botella, que añade funcionalidad y diferenciación unidos bajo un concepto concreto.

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MARCA: Boksem Bier (Sudáfrica)
DISEÑO: Janus Badenhorst, Potchefstroom (South Africa)
POR QUÉ: Porque su divertido packaging cuenta una historia que todo autóctono conoce, una efectiva forma de traspasar fronteras. Nos ha encantado la cabra Billy.

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MARCA: Cordovero Brewery (Israel)
DISEÑO: EB Eyal Baumert Branding Studio, Tel Aviv, Israel
POR QUÉ: Por el sentimentalismo de este diseño para una pequeña marca de tradición familiar, que basa su imagen en el anciano creador de la cerveza. ¿No os ha recordado al abuelito de Heidi?.

MARCA: VIOLATOR (Alemania)
DISEÑO: Ross Burwell, Chicago, USA
POR QUÉ: Una imagen impecable para esta cerveza alemana de diseño minimalista, con una lacado UVI sobre botella de latón tintada en blanco, imposible olvidarte de ella y casi una pieza de coleccionismo que podría estar en cualquier estante de tu comedor.

MARCA: HIGH SEAS (Proyecto Estudiante)
DISEÑO: Brennan Greason, Canadá, USA
POR QUÉ: Un diseño basado en la sencillez, que combina colores brillantes no tradicionales con juegos de palabras relacionadas con el mar, un conjunto deoriginales botellas con identidad propia, sueño de cualquier cervecero casero.

SMEG, CAPRICHOSO INTERIORISMO

Desde que Vittorio Bertazzoni fundó la compañía en 1948 en Guastalla (Italia), SMEG se ha convertido en un icono del diseño industrial que todavía perdura en la vida de amantes del diseño e interioristas caprichosos. Su producto estrella la nevera retro FAB de los años 50, aunque la compañía tenga ahora en el mercado cafeteras, lavadoras, hornos, microondas, estufas, cocinas, e incluso muebles-bodega.

SMEG ha desarrollado desde su nacimiento una extensa colección de productos en colaboración con arquitectos y diseñadores, entre ellos Guido Canali (que también diseñó la sede de la empresa en Guastalla), Mario Bellini, Renzo Piano o Marc Newson.

En 1997, salió a la luz Smeg, una gama de neveras de estilo retro. Disponible en varios colores, el famoso refrigerador FAB28 lleva las letras SMEG como distintivo, puertas curvas y un mango grueso que evoca el estilo industrial de la década de los 50.

Os mostramos algunos ejemplos de interiorismo donde SMEG FAB cobra un evidente protagonismo. Como siempre los italianos por delante.

¡FELIZ MIÉRCOLES!

INVITA A EAMES A TU CASA

Si los modelos Tolix y Boppard marcaron un hito en lo que al diseño insdustrial se refiere, la silla Eames no se queda atrás, ¿quién no tiene una en casa ; )?. Un módelo extremadamente versátil que interioristas y «entendidos de la decoración» están utilizando para decorar comedores, cocinas, estudios e incluso baños.

En 1948, el multicisciplinar arquitecto Charles Eames ganó el segundo premio de la International Competition for low-Cost Furniture Desing del MOMA por su innovación en el diseño una silla hecha en fibra de vidrio. Esté modelo fue el primer asiento de plástico sin revestimiento producido en serie. Su concepto, una estructura sencilla que combina dos materiales atemporales, el plástico y la madera, capaces de soportar diferentes variaciones, lo que ha acabado convirtiendo a la silla Eames en mueble universal y muy influyente en el diseño del siglo XX y ahora de vuelta en el siglo XXI.

Os dejamos una galería con espacios donde aparece la famosa silla en sus diferentes versiones. ¡Feliz lunes!

¿Qué pasa tronco?

Es tiempo de poda y jueves de reciclaje creativo, una combinación que nos ha inspirado para mostrar en este post algunas ideas de mobiliario low cost con troncos. ¡Feliz jueves de primavera!

Con hierros y a lo loco

Nos gustan las ideas geniales, y aún más cuando se trata de reconvertir objetos industriales en originales piezas de mobiliario.

En el post de hoy toca reciclaje creativo, carritos de la compra convertidos en elegantes sillones y más. ¡Feliz jueves!

Copia, copia que yo te sigo

¿Quién no conoce el modelo Wayfarer de Ray-Ban?. Un diseño de los años 50 que no sólo marcó un hito en el cine y en la música, si no que seis décadas después sigue siendo el modelo de gafas de sol más copiado de la historia.

El modelo Wayfarer supuso una ruptura con las tradicionales monturas metálicas, y aunque su popularidad decayó sólo una década después, personajes mediáticos de la talla de Michael Jackson, Tom Cruise, Billy Joel, Bob Dylan o The Blues Brothers recuperaron en los 80 el glamour del famoso diseño de Raymond Stegeman con un éxito arrasador.

En tan sólo cinco años las Wayfarer aparecieron en más de sesenta películas de Hollywood y series de gran éxito televisivo como Miami Vice.

 

Una muestra de este rotundo éxito se hace patente en la copia que las grandes marcas han hecho de este modelo de gafas. Y, si las grandes marcas lo han hecho ¿por qué no lo iban a hacer las pequeñas?. Así hoy en día, cualquiera puede tener unas “Wayfarer casi originales” por un módico precio.

Os dejamos algunos modelos de gafas que imitan a las míticas y atemporales Wayfarer.

 

ORIGINAL WAYFARER – RAY BAN 139€
THE VILLAGE – SABRE EUROPE 59,99€
TERRA DI SIENA – PERSOL 160€
SPICOLI – VANS 15€
VINTAGE – BOSS ORANGE 120€
TORTOISE SHELL – KNOCKAROUND 30€
5020/S BLACK – CARRERA 72€
BELFORT – KALEOS 95€
TANJUNG – WOOD FELLAS 99€
CAREY VEGAS GOLD ONE – HAWKERS 25€
LEO SQUARE – TOM FORD 358€
SAFARI – RALPH LAUREN 140€

Carteles bizarros que no entienden de normas creativas

En creatividad existen diferentes disciplinas; ilustración, editorial, identidad corporativa, publicidad… y todas ellas tienen una forma muy concreta de entender el diseño, la composición y el orden de elementos. Hoy voy a dedicar este post a una subdisciplina del arte, el diseño de carteles para fiestas locales.

A menudo este tipo de trabajos no se encarga a un estudio especializado si no que suele salir a concurso «público» (vamos a llamarlo así porque así lo llaman), y en ocasiones «por casualidad» ganan estos concursos hijos de concejales, hermanos de funcionarios del ayuntamiento o algún ex-miembro de la Junta de fiestas del pueblo. Y el resultado, claro está, es la omisión de cualquier norma lógica de composición de un buen diseño, dígase colores, tipografías y estilos gráficos varios como si de un collage de preescolar se tratara.

Os dejo algunas muestras de ello, no hace falta nombrar a sus autores, bastante tendrán los pobres con la que les habrá caído. Zapatero a tus zapatos, feliz miércoles creativo.

CARTELES BIZARROS

Este «original» cartel representó a las Fiestas de Torreagüera, una composición fotográfica que se salta absolutamente todas las normas de maquetación gráfica.

CARTELES BIZARROS

La sonrisa y la mirada del personaje protagonista de este cartel para las fiestas de Basauriko no tienen desperdicio, juzguen ustedes.

 

CARTELES BIZARROS

El tratamiento gráfico de este cartel realizado hace a penas dos años nos recuerda a esas arcaicas composiciones hechas con el Photoshop 2.

CARTELES BIZARROS

Cartel de los Carnavales de Alhaurín de la Torre que parte de la fotografía de un edificio del pueblo sobre el que se colocan unos elementos gráficos sin demasiado sentido.

 

CARTELES BIZARROS

Valseca presentó su cartel de fiestas hace tan sólo un año, en el que Nuestra Señora de la Asunción es una especie de cacahuete malvado.

CARTELES BIZARROS

Parece que los habitates de Pinto han nombrado a Chenoa la Reina de las Fiestas del Pueblo, como damas de honor de ésta Loquillo y Median Azahara.

 

CARTELES BIZARROS

Un collage con estética «España profunda» representa a las fiestas de Jadraque, de la tipografía ni hablamos.

CARTELES BIZARROS

La banda musical que acompaña al pobre San Bernarbé en segundo plano se lleva el protagonismo de una composición que dista mucho del «menos es más» en cuestiones creativas.

 

CARTELES BIZARROS

Cartel 2013 estilo años 80, montaje años 90, tipografía atemporal, temática cómic… demasiados elementos confusos para el cartel de las fiestas de Aldapa.

CARTELES BIZARROS

Sí, un ilustrador ha realizado el cartel de Fiestas de Motilla del Palancar, no lo hizo mal, quizá un retoque digital le hubiera dado un poco más de seriedad a toda la composición. Respecto a la tonalidad y del cartel nunca mejor dicho, para gustos colores.

 

CARTELES BIZARROS

A una de las Meninas de Velázquez de estilo Warhol le han otorgado la misión de estrella del rock con un micrófono en la mano y un cántaro de barro (no sabemos por qué) en la otra. Como público personajes tan reconocidos como La Gioconda, Mortadelo y hasta un personaje salido del mismo Guernica de Picasso.

CARTELES BIZARROS

Una composición para las Fiestas locales de Fuenmayor que se salta toda norma de perspectiva. Tampoco vamos a pasar por alto el tratamiento tipográfico, el espaciado o el recorte de imágenes y su sombreado.

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DIBUJAR LA MÚSICA

Parece que con esto de la piratería online, Youtube, Soundcloud, las suscripciones Premium de Spotify y multitud de herramientas para buscar, escuchar, descargar y comprar música en formato digital, el coleccionismo de vinilos y CD’s tienen un destino muy claro, su desaparición y con ella la expiración de un arte, el del «Cover Artwork». Quizá esta intro es demasiado drástica, o quizá no, mientras tanto un poco de historia.

Este artículo es un recorrido por las tendencias en ilustración a través de portadas de discos desde los años 50 hasta nuestra actualidad, ni son todas las que están ni están todas las que son, pero en cualquier caso espero que disfrutéis de cada una de las portadas que he incluido, y de la música a la que acompañan, claro.

LOS DULCES AÑOS 50
En una década marcada por la postguerra, mientras la sociedad europea intentaba recuperarse económicamente, EEUU vivía una notable revolución cultural que se reflejó sobre todo en el cine y en la música. El «Cool Jazz» afroamericano incorporaba nuevos ritmos que podemos escuchar en trabajos de Miles Davis o Chet Baker. Las nuevas tecnología estaban por llegar y los ilustradores de la época vieron su arte plasmado y difundido a través de las numerosas portadas de jazz, dejando una huella más que evidente en el panorama musical. Enmarcados en una nueva forma de expresionismo renombrado como abstracto, basaron su arte en gráficas ilustraciones que poco tienen que envidiar al diseño como lo conocemos hoy en día.

 

Anita O'Day - Collates (1952) Diseñada por David Stone Martin

Anita O’Day – Collates (1952) Diseñada por David Stone Martin

Chicago Style Jazz

Chicago Style Jazz – Varios (1955) Diseñada por Neil Fujita con ilustración de Ben Shahn

Chet Baker - Pacific Jazz (1955) Design William Claxton Drawings - Colleen Lewis

CHET BAKER QUARTET – Jazz at Ann Arbor (1955) Un diseño de William Claxton con ilustraciones de Colleen Lewis

Chet Baker - Russ Freeman Quartet (1956) Design- William Claxton Illustration- John Altoon

CHET BAKER – Russ Freeman Quartet (1956) Diseñada por William Claxton con una ilustración de John Altoon

Kenny Burrell - Blue Note (1956) Illustration Andy Warhol Design - Reid Miles

Kenny Burrell – Blue Note (1956) Ilustración de Andy Warhol y diseñada por Reid Miles

Johnny Griffin - Congregation (1958) Ilustración de Andy Warhol y diseño de Reid Miles

Johnny Griffin – Congregation (1958) Ilustración de Andy Warhol y diseño de Reid Miles

BILLIE HOLIDAY - ALL OR NOTHING AT ALL (1958)

BILLIE HOLIDAY ALL OR NOTHING AT ALL (1958) Diseñada por David Stone Martin

DUKE ELLINGTON - ANATOMY OF A MURDER ST

DUKE ELLINGTON – B.S. ANATOMY OF A MURDER (1959) Diseñada por Saul Bass

EL ARTE SOCIAL DE LOS AÑOS 60
Los años 60 vivieron un difícil panorama social, inmersos en la interminable Guerra Fría y una evidente hostilidad internacional entre gobiernos de oriente y occidente, la sociedad occidental más revolucionaria, los recién denominados hippies, se pronunciaron contra sus gobernantes construyendo «una nueva era pacifista» que traería con sigo nuevas formas de arte, como el pop art y la psicodelia surrealistas, ligadas al movimiento artístico de la «contracultura» y el «arte social». De esta época saldrían artistas de la talla de Andy Warhol o Keiichi Tanaami, que imprimieron su arte no sólo en portadas de discos, sino también en productos de consumo, publicidad y literatura».

 

FRANK SINATRA - Sinatra and Swingin'Brass (1963) Diseñada por Jim Jonson

FRANK SINATRA – Sinatra and Swingin’Brass (1963) Diseñada por Jim Jonson

The Beatles - Revolver (1966) Diseñada por Klaus Voormann

The Beatles – Revolver (1966) Diseñada por Klaus Voormann

JIMI HENDRIX - Bold as Love (1967) Diseñada por Roger Law y David King

JIMI HENDRIX – Bold as Love (1967) Diseñada por Roger Law y David King

THE VELVET UNDERGROUND & NICO (1967) Diseñada por Andy Warhol

THE VELVET UNDERGROUND & NICO (1967) Diseñada por Andy Warhol

Jefferson Airplane - After Bathing at Baxter's (1967) Diseñada por Keiichi Tanaami

Jefferson Airplane – After Bathing at Baxter’s (1967) Diseñada por Keiichi Tanaami

Eric Burdon And The Animals - Eric Is Here (1967)

Eric Burdon And The Animals – Eric Is Here (1967) Artista desconocido

CREAM - Wheels of Fire (1968) Diseñada por Martin Sharp

CREAM – Wheels of Fire (1968) Diseñada por Martin Sharp

LED ZEPPELIN - Led Zeppelin (1969) Diseñada por George Hardie

LED ZEPPELIN – Led Zeppelin (1969) Diseñada por George Hardie

KING CRIMSON - In the Court of the Crimson King (1969) Diseñada por Barry Godber

KING CRIMSON – In the Court of the Crimson King (1969) Diseñada por Barry Godber

NEIL YOUNG - NEIL YOUNG (1969)

NEIL YOUNG – NEIL YOUNG (1969) Diseñada por Roland Deihl

 

LOS INDUSTRIALES AÑOS 70
En una época donde los países de Europa Occidental ya se estaban recuperando económicamente y donde la doctrina consumista estaba ya instaurada por completo, nos encontramos con un ambiente social mucho más distendido. La ciencia avanzaba a pasos agigantados, las nuevas tecnologías empezaban a ver la luz y con ella los primeros editores de imagen digital CAD/CAM, que dieron paso a los recién nacidos montajes fotográficos, dejando atrás al pop-art y a la psicodélica ilustración manual de los años 60. Las escasas portadas ilustradas de esta década dejan ver una tendencia artística mucho más minimalista, un estilo visiblemente influenciado por la era industrial y los primeros sonidos electrónicos.

 

LED ZEPPELIN - III (1970)

LED ZEPPELIN – III (1970) Diseñada por Richard Drew alias Zacron

WILLIE NELSON - Yesterday's Wine (1971) Diseñada por Pete Ciccone

WILLIE NELSON – Yesterday’s Wine (1971) Diseñada por Pete Ciccone

The Imperials- Time to Get it Together (1971)

The Imperials- Time to Get it Together (1971) Diseñada por Dan Stiles

RUSH - Rush (1974) Diseñada por Paul Weldon

RUSH – Rush (1974) Diseñada por Paul Weldon

John Lennon - Walls and Bridges (1974) Diseñada por Roy Kohara

John Lennon – Walls and Bridges (1974) Diseñada por Roy Kohara

KRAFTWERK - AUTOBAHN (1974)

KRAFTWERK – AUTOBAHN (1974) Diseñada por Barney Bubbles

Billy Joel - Streetlife Serenade (1974) Diseñada por Jon Coro

Billy Joel – Streetlife Serenade (1974) Diseñada por Jon Coro

Elton John - Blue Moves (1976) Diseñada por David Costa

Elton John – Blue Moves (1976) Diseñada por David Costa

The Rolling Stones - Love you live (1977) Diseñada por Andy Warhol

The Rolling Stones – Love you live (1977) Diseñada por Andy Warhol

Joy Division- Unknown Pleasures (1979) Diseñada por Peter Saville

Joy Division- Unknown Pleasures (1979) Diseñada por Peter Saville

LOS CHILLONES AÑOS 80
Si hay que destacar algo de está década es el boom de la moda flúor, el cine independiente, las series americanas y los videojuegos, dejando socialmente casi en segundo plano a los conflictos políticos internacionales. Fue la era de las divas y los divos musicales, aquellos casi intocables que marcaron hitos irrepetibles como Michael Jackson, Elton John o Madona. Diferentes estilos musicales convivieron sin conflicto, el rock adquiría sonidos electrónicos y el dulce pop de los años 60 se convertía en enemigo de Cupido. Todo este eclecticismo dio lugar a un estilo artístico que recuperaba a la pintura como forma artística tradicional, lo que se aprecia en las portadas de algunos de los discos de la época.

 

GENESIS - DUKE (1980) GENESIS – DUKE (1980) Diseñada por Lionel Koechlin[/caption

DAVID BOWIE - Scary Monsters (1980) Diseñada por Edward Bell

DAVID BOWIE – Scary Monsters (1980) Diseñada por Edward Bell

JOY DIVISION - LIVE IN AMSTERDAM (1980)

JOY DIVISION – LIVE IN AMSTERDAM (1980) Diseñada por Species

MILES DAVIS - We want miles (1981) Diseñada por Yasuhisa Yoneda

MILES DAVIS – We want miles (1981) Diseñada por Yasuhisa Yoneda

AMBROSIA - ROAD ISLAND (1982)

AMBROSIA – ROAD ISLAND (1982) Diseñada por Ralph Steadman

BEASTY BOYS - LICENSED TO Ill (1986)

BEASTY BOYS – LICENSED TO Ill (1986) Diseñada por David Gambale

QUEEN - A kind of magic (1986) Diseñada por Roger Chiasson

QUEEN – A kind of magic (1986) Diseñada por Roger Chiasson

BOB DYLAN - Oh merci (1989) Diseñada por Christopher Austopchuk and Mark Burdett

BOB DYLAN – Oh merci (1989) Diseñada por Christopher Austopchuk and Mark Burdett

EL ‘TODO VALE’ DE LOS 90
Con una sociedad impactada por los nuevos dispositivos digitales y primeros software de uso para “tontos”, el mundo parecía comenzar una revolución, la “revolución tecnológica”. Es la llamada era de Internet y de las grandes multinacionales que parecen gobernar el mundo. Las nuevas tecnologías se instalan también en el arte y los diseñadores de las portadas de discos centran sus proyectos en fotografías claramente retocadas con el precario Photoshop. Es la era del Grunge americano y del “todo vale”, un estilo de música influenciado por el punk, el hardcore, el hard rock o el pock rock, al que más tarde llamaremos Indie. Grupos como Blur, Green Day o Nirvana generan incondicionales seguidores por todo el mundo haciendo sonar sus baterías sin parar en festivales y eventos veraniegos varios. Las ilustraciones de esta época se ven influenciadas por la cultura callejera del grafiti, que algunos grupos utilizan para reivindicar, aún más si cabe, las polémicas sociales con su música.

 

Red Hot Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik (1991) Diseñada por Gus Van Sant

NIRVANA - Incesticide (1992) Robert Fisher

NIRVANA – Incesticide (1992) Robert Fisher

Blur - Modern Life is Rubbish (1993) Diseñado por Bayswater Road

Blur – Modern Life is Rubbish (1993) Diseñada por Bayswater Road

Green Day - Dookie (1994) Diseñada por Richie Bucher

Green Day – Dookie (1994) Diseñada por Richie Bucher

Pink Floid - The Division Bell

Pink Floid – The Division Bell (1994) Diseñada por Storm Thorgerson

The Smashing Pumpkins - Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995) Diseñada por Frank Olinsky y Billy Corgan

The Smashing Pumpkins – Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995) Diseñada por Frank Olinsky y Billy Corgan

Evil Empire - Rage Against the Machine

Rage Against the Machine – Evil Empire (1996) Diseñada por Ari Meisel

WEEZER - Pinkerton (1996) Diseñada por Hiroshige

WEEZER – Pinkerton (1996) Diseñada por Hiroshige

MASSIVE ATTACK - Mezzanine (1998) Diseñada por Tom Hingston

MASSIVE ATTACK – Mezzanine (1998) Diseñada por Tom Hingston

KORN - Issues (1999) Diseñada por Erin Haley

KORN – Issues (1999) Diseñada por Erin Haley

 

 

EL CONCEPTUAL SIGLO XXI
Las nuevas tecnologías están rotundamente instaladas en el arte y los diseñadores de las portadas de discos comerciales centran sus proyectos en fotografías visiblemente retocadas con Photoshop®. No ocurre lo mismo con la música alternativa donde la ilustración, uno de los recursos más utilizados en las portadas de este género sonoro, está influenciado por el arte conceptual, que autores y grupos varios quieren a toda costa mostrar en sus portadas; así diseñadores gráficos experimentan en la actualidad el boom de la nuevas tecnologías creando auténticas obras de arte desarrolladas al detalle con composiciones perfectas en color y tipografía, todo gracias al evidente avance del software de edición por ordenador.

 

MUSE - ORIGIN OF SYMMETRY (2001)

MUSE – ORIGIN OF SYMMETRY (2001) Diseñada por William Eagar

CHAD VANGAALEN - INFINITY HEART (2004)

CHAD VANGAALEN – INFINITY HEART (2004) Diseñada por Chad VanGaalen

THE DONNAS - GOLD MEDAL (2004)

THE DONNAS – GOLD MEDAL (2004)

ANDREW BIRD - ANDREW BIRD AND THE MYSTERIOUS PRODUCTION OF EGGS (2005)

ANDREW BIRD – AND THE MYSTERIOUS PRODUCTION OF EGGS (2005) Diseñada por Jay Ryan

CALEXICO - GARDEN RUINS (2006)

CALEXICO – GARDEN RUINS (2006) Diseñada por David Babbitt

MY CHEMICAL ROMANCE - THE BLACK PARADE (2006)

MY CHEMICAL ROMANCE – THE BLACK PARADE (2006) Diseñada por James Jean

THOM YORK - THE ERASER (2006)

THOM YORK – THE ERASER (2006) Diseñada por Stanley Donwood

CHEMICAL BROTHERS - WE ARE THE NIGHT (2007)

CHEMICAL BROTHERS – WE ARE THE NIGHT (2007) Diseñada por Kate Gibb

ELLIOTT SMITH - NEW MOON (2007)

ELLIOTT SMITH – NEW MOON (2007) Diseñada por Mike King

FOALS - ANTIDOTES (2008)

FOALS – ANTIDOTES (2008) Diseñada por Tinhead

THE DUHKS - FAST PACED WORLD (2008)

THE DUHKS – FAST PACED WORLD (2008) Dise ñada por Sue Meyer

HEADLESS HEROES - THE SILENS OF LOVE (2008)

HEADLESS HEROES – THE SILENS OF LOVE (2008) Diseñada por Irana Douer

KINGS OF LEON - ONLY BY THE NIGHT (2008)

KINGS OF LEON – ONLY BY THE NIGHT (2008) Diseñada por Brett Kilroe

BEAT CIRCUS - BOY FROM BLACK MOUNTAIN (2009)

BEAT CIRCUS – BOY FROM BLACK MOUNTAIN (2009) Diseñada por Carson Ellis

POS - NEVER BETTER (2009)

P.O.S – NEVER BETTER (2009) Diseñada por Adam Garcia

PETER DOHERTY - GRACE/WASTELANDS (2009)

PETER DOHERTY – GRACE/WASTELANDS (2009) Diseñada por Alize Meurisse

SKY LARKIN - THE GOLDEN SPIKE (2009)

SKY LARKIN – THE GOLDEN SPIKE (2009) Diseñada por Jack Hudson

THE LEISURE SOCIETY - THE SLEEPER (2009)

THE LEISURE SOCIETY – THE SLEEPER (2009) Diseñada por The Matt Lloyd Project

Polock - Getting Down from the Trees

Polock – Getting Down from the Trees (2010) Diseñada por Carla Fuentes

 

GIANT SAND - BLURRY BLUE MOUNTAIN (2010)

GIANT SAND – BLURRY BLUE MOUNTAIN (2010) Diseñada por Alena Rudolph

SEABEAR – We Built a Fire (2010) Diseñada por Ingibjörg Birgisdóttir

 

BEIRUT - THE TRIP TIDE (2011)

BEIRUT – THE TRIP TIDE (2011) Diseñada por Rob Carmichael

BOMBAY BICYCLE CLUB - SHUFFLE EP (2011)

BOMBAY BICYCLE CLUB – SHUFFLE / Single (2011) Diseñada por Katie Scott

Josh Pyke – Only Sparrows (2011) Diseñada por James Gulliver Hancock

CASEY VEGGIES - SLEEPING IN A CLASS (2011)

CASEY VEGGIES – SLEEPING IN A CLASS (2011) Diseñada por Ty Leyvd

CLOUD NOTHING - CLOUD NOTHINGS (2011)

CLOUD NOTHINGS – CLOUD NOTHINGS (2011) Diseñada por Rob Carmichael

FOSTER THE PEOPLE - TORCHES (2011)

FOSTER THE PEOPLE – TORCHES (2011) Diseñada por Nathan Warkentin

PETER BJORN - GIMME SOME (2011)

PETER BJORN & JOHN – GIMME SOME (2011) Diseñada por Jonas Torvestig

THE LEISURE SOCIETY - OUT OF THE MURKY WATER (2011)

THE LEISURE SOCIETY – OUT OF THE MURKY WATER (2011) Diseñada por The Matt Lloyd Project

KAISER CHIEFS - THE FUTURE IS MEDIEVAL (2011)

KAISER CHIEFS – THE FUTURE IS MEDIEVAL (2011) Diseñada por WK London

CHAN VANGAALEN - YOUR TAN LOOKS SUPERNATURAL EP (2011)

CHAN VANGAALEN – YOUR TAN LOOKS SUPERNATURAL EP (2011) Diseñada por Chad VanGaalen

JOAN COLOMO - PRODUCTO INTERIOR BRUTO VOL1 (2011)

JOAN COLOMO – PRODUCTO INTERIOR BRUTO VOL1 (2011) Hamo Studio

URUSEN - THIS IS WHERE WE MEET (2012)

URUSEN – THIS IS WHERE WE MEET (2012) Diseñada por Peter Beatty

CALEXICO - ALGIERS (2012)

CALEXICO – ALGIERS (2012) Diseñada por SAYWELLS DESIGN

CAGE THE ELEPHANT - MELOPHOBIA (2013)

CAGE THE ELEPHANT – MELOPHOBIA (2013) Diseñada por Clint Colburn

KINGS OF LEON - BEAUTIFUL WAR EP (2013)

KINGS OF LEON – BEAUTIFUL WAR EP (2013) Diseñado por David Smith

KINGS OF LEON - MECHANICAL BULL (2013)

KINGS OF LEON – MECHANICAL BULL EP (2013) Diseñada por Brett Kilroe

Beacon – The Ways We Separate (2013) Diseñada por Langdom Graves

Beacon – The Ways We Separate (2013) Diseñada por Langdom Graves

EXPLOSIONS IN THE SKY - PRINCE AVALANCHE (2013)

EXPLOSIONS IN THE SKY – PRINCE AVALANCHE (2013) Diseñada por Esteban Rey

THE LEISURE SOCIETY - ALONE ABOARD THE ARK (2013)

THE LEISURE SOCIETY – ALONE ABOARD THE ARK (2013) Diseñada por Owen Davey

GIANT SAND - TUCSON A COUNTRY ROCK OPERA (2013) Diseñada por John Foster

GIANT SAND – TUCSON A COUNTRY ROCK OPERA (2013) Diseñada por John Foster

BLACK SQUARES - WHITE ISLANDS (2014)

BLACK SQUARES – WHITE ISLANDS (2014) Diseñador no encontrado

BROODS - EVERGREEN (2014)

BROODS – EVERGREEN (2014) Diseñada por Anna Wili-Highfield

Royal Blood – Figure it out (2014) Diseñada por Dan Hillier

 

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Técnicas olvidadas que cambiaron el diseño industrial para siempre

Desde que el carpintero de origen Alemán Michael Thonet patentara la técnica de curvar la madera de haya en el año 1830 y presentara en 1936 la mítica silla Boppard, el diseño industrial, en lo que se refiere a las sillas, cambió de una manera radical.

Hoy rendimos homenaje a este ebanista y a su exitoso modelo de asiento de interior, y sí, lo sabemos, tú también tenías en casa una de estas sillas y no tenías ni idea de su procedencia histórica, ¿la tiraste en un traslado?, una pena, podrías haber hecho muchas cosas con ella…

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Basándose en el estilo artístico austriaco Biedermeier, Thonet diseñó este modelo de silla que fue el precedente de muchos otros modelos de madera curvada, un diseño de líneas románticas que perduró hasta bien entrado en s. XX y que a día de hoy vuelve a ser tendencia.

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Aquí podemos ver el modelo Boppard original, tintado con pintura color gris pizarra en mate, dejando únicamente la parte baja de las patas en el color original de la madera de haya, una elegante idea tanto para su uso en escritorio, comedor, entrada o cocina.

 

La versatilidad de este modelo de silla permite su adaptación en cualquier espacio de la casa, según el color y técnica decorativa utilizada. Os vamos a presentar algunas ideas para que deis uso a vuestras sillas Boppard. Feliz jueves de recilaje creativo.

 

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Un buena idea es utilizar esta silla de mesita de noche por ejemplo, en la imagen de la izquierda el modelo Boppard aparece en su estilo original con un par de libros y una maceta con hiedra que cae por encima de la silla. En la segunda imagen un estilo más vanguardista, la silla, tintada en color blanco nieve, está adornada con una combinación de hilos en tonos pastel y fluor, esta idea DIY nos ha encantado.

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Para los de estilo black&white esta idea de combinación madera tintada en negro y piel sintética en color natural, una acogedora idea que aporta calidez y elegancia a cualquier estancia de la casa.

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Ideas para el comedor, el la imagen de la izquierda una original forma de decorar una silla Boppard, pintar algunas de las patas y partes superior en diferentes tonos pastel, dejando en el color haya original el resto de la silla. En la segunda imagen un estilo más industrial, las sillas pintadas en azul klein en combinación con una mesa del mismo tono de estilo clásico.

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Y para terminar idea para una cocina romántica, sillas Boppard tintadas en color rosa chicle combinada con un estilo de silla rústica pintada en color azul claro, en combinación con una mesa de PVC de estilo retro-pop.

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Decoración Low Cost: Salón

Llevamos tiempo recopilando imágenes de espacios donde los objetos y muebles reciclados cobran protagonismo, espacios que no están exentos de creatividad e impacto visual, pero sobretodo espacios que económicamente son fáciles de reproducir. Os vamos a ir comentando todo lo que nos ha llamado la atención en cada espacio. Hoy ZONA DE TÉ:READ MORE